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Galerie Open http://galerie-open.net/  <script type="text/javascript" src="//static.woopra.com/js/woopra.v2.js"></script> <script type="text/javascript"> woopraTracker.track(); </script>  en Copyright 2010, Alexandra Rockelmann Wed, 17 Mar 2010 20:31:01 -0400 Exhibition: Filip Zorzor at Art Karlsruhe 2010 <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">March 4 - March 7, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Wednesday, March 3, 2:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1874"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/32/32789.jpeg" alt="Booth set up" height="666" width="500" /></a> <p><p>Booth set up</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Besuchen Sie uns in Halle 4 Stand <span class="caps">L03.1, </span>um die Werke von Filip Zorzor zu besichtigen.</p> <p>Filip Zorzor filtert das Besondere und Einzigartige an Orten und Situationen, um es als festgehaltene Empfindungen in seine Malerei einfließen zu lassen.<br /> Zahlreiche Schichtungen von Oberflächen und Texturen und der sich durchdringenden Formen in den Ebenen des Bildraums ergeben die gewollt landkartenähnliche Erscheinung der Bilder.<br /> Der rhythmische Wechsel zwischen konstruiert-urbanen und amorph-natürlichen Formen assoziiert die beobachteten Ironien und Absurditäten der realen Welt, um hiermit ihre Seele wiederzuspiegeln.</p> <p>-------------------------------------</p> <p>Come and visit us in Hall 4 stand L 03.1, in order to see the works of Fillip Zorzor in person.</p> <p>Filip Zorzor filters the special and uniqueness of places and situations, in order to let it flow into his paintings and create a held moment. Numerous layering's of surfaces and textures and the penetrating forms in the levels of the image, results in the wanted map-like appearance of the pictures. The rhythmic change between designed-urban environment and natural amorphous forms, associates the observed irony and absurdities of the realistic world, in order to again-reflect hereby the soul.</p> <p>Opening hours:<br /> March 3rd Preview 14 - 17 and <span class="caps">OPEN</span>ing 17 - 21 o'clock<br /> March 4th - 6th 12 - 20 o'clock<br /> March 7th 11 - 19 o'clock</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1874 Exhibition: Fred Fleisher - TRY ME <div class="exhibition-subtitle">sweet to taste, but hard to swallow</div> <div class="exhibition-dates">January 30 - March 20, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Saturday, January 30, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1807"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/31/31075.jpeg" alt="" height="578" width="500" /></a> <p>Fred Fleisher, <em>ANDY'S famous ICE cream</em>, 2009</p> <p> ENAMEL, CASEIN AND ACRYLIC ON CANVAS AND LINEN, </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>is pleased to announce the second solo show of Fred Fleisher "TRY ME" in the gallery. The exhibition shows works of multi-media, provides the viewer with an invitation that at first appears safe, secure and easy to grasp. However, upon further investigation, this "invitation" reveals a world of manipulated narratives that reflect the intersection of American obsessions with those of the rest of the world. </p> <p>The last show at galerie <span class="caps">OPEN </span>from Fred Fleisher Apocalyptic Renovations, 2008, is, at heart, a statement about the screwed-up state of the world. To be human means to live with both the light and dark sides of the psyche, and redemption--or rather continual renovation--is key to self-realization. The new work presents some components of this process, describing and analyzing attitudes, belief systems, and individuals (heroes and villains alike). The subtitle of the show "sweet to taste, but hard to swallow" symbolizes the Angel standing on the earth with one foot and the other on the water and, like St. Johannes, in the Book of Revelation, Fred Fleisher needs to eat the book in order to gain the strength to see the good. . . however, this action can be hard to absorb.</p> <p>Fred Fleisher attempts to position himself at once within contemporary culture and as something of an outside observer. Casting a critical eye over the dominant paradigms of consumerism and mediocrity, he offers some possible antidotes.<br /> His practice often involves the use of found objects that are removed from their usual context and manipulated via a range of media including painting and drawing, sculpture, photography, and video. Elements of narrative and character are filtered and manipulated to facilitate new readings of particular objects and situations, especially those that reflect the intersection of American obsessions with those of the rest of the world.</p> become a Fan of galerie <span class="caps">OPEN </span>on Facebook<br /> <script src="http://static.ak.facebook.com/js/api_lib/v0.4/FeatureLoader.js.php/de_DE" type="text/javascript"></script><script type="text/javascript">FB.init("7d8992251655e54d61015d8155353508");</script><fb:fan profile_id="90949578531" stream="1" connections="10" width="300"></fb:fan><div style="font-size:8px; padding-left:10px"><a href="http://www.facebook.com/pages/Berlin/galerie-OPEN/90949578531">galerie <span class="caps">OPEN</span></a> on Facebook</div></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1807 Exhibition: Florian Japp - "AGGREGATE" <div class="exhibition-subtitle">CLOSING January 20th 2010 at 7pm</div> <div class="exhibition-dates">December 10, 2009 - January 23, 2010</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, December 10, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1806"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/30/30854.jpeg" alt="" height="607" width="500" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Florian Japps Objekte behaupten eine selbstverständliche Präsenz. Befreit von Akzidenzien, Hüllen und Mehrdeutigkeiten, treten sie klar, karg und ,,ungeschützt" in Erscheinung. Ihre kühlen Baupläne - Schichtung, Fächerung, Zentrierung - korrespondieren mit Anlehnungen an Naturwachstum und -wandlung. Oft sind es Mischformen, ablesbar in Machart, Material und Farbgebung.</p> <p>Sie sind uns fremd und vertraut zugleich, so als hätten wir sie vergessen und wiedergefunden. Ihre Zwecklosigkeit ist augenscheinlich, und wenn wir auch in den diffusen Gefilden der Erinnerungen, Vorstellungen und Ahnungen auf Analogien stoßen. Sinn und ,,Seele" der Objekte finden wir nur in ihnen selbst. Wir müssen sie betrachten, sie sind für uns gemacht.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1806 Exhibition: Birgit Ramsauer - Maulwürfe - <div class="exhibition-subtitle">Körperinterventionen in Architektur</div> <div class="exhibition-dates">October 29 - December 5, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, October 29, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1801"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/30/30436.jpeg" alt="Installation shot - Maulwürfe Serie, Homeless Project" height="359" width="500" /></a> <p><p>Installation shot - Maulwürfe Serie, Homeless Project</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich die erst Einzelausstellung mit Birgit Ramsauer, in der Galerie zu präsentieren. In der momentanen Ausstellung werden Photographien aus der ,,ART: <span class="caps">HOME</span>-LESS" and ,,Maulwürfe", wie auch Lichtkästen von der ,,Paris in my mind" Serie gezeigt. Am Abend der Eröffnung ist die Künstlerin anwesend und veranstaltet eine live Performance.</p> <p>Birgit Ramsauer versteht sich im Wesentlichen als Performancekünstlerin, die nicht nur den eigenen Körper und die eigene Persönlichkeit in unterschiedliche gesellschaftliche Zusammenhänge stellt, sondern auch bewusst sichtbare Spuren hinterlässt. In der Tradition der amerikanischen und deutschen Performance Art, greift sie in fremde Kontexte ein und markiert die zufälligen Markierungen, die andere Menschen unbewusst hinterlassen.<br /> <br /> In Ihren Performances agiert sie als Moderatorin und visuelle Übersetzerin von alltäglichen, eher unscheinbaren menschlichen Handlungen, die sich überall auf der Welt abspielen können. Das achtlose Fallenlassen eines Einwickelpapiers auf der Straße ist für sie bereits - unbewusste - Performance, wie man im ,,ART : <span class="caps">HOME </span>- <span class="caps">LESS</span>" Projekt zu sehen bekommt, in dem sie New York Marseille, Moskau und Berlin bereist. Diese Spur markiert sie und hält sie gleich wie eine Archäologin fest als vergangenen Gestus. Gleichzeitig rekonstruiert sie ihre innere psychosoziale Struktur, die in diesem Falle aus einer der Umwelt und anderen Menschen gegenüber achtloser Verhaltensform besteht. </p> <p>Auf den ersten Blick könnte man ,,Paris in my mind" als malerische Arbeit bezeichnen. Doch ist die im Getümmel der Strasse bearbeitete Polaroidaufnahme, diese ,,Live-Zeichnung/Malerei", Teil einer Performance, die innerhalb dreier Minuten in einer lebendigen Grosstadtatmosphäre entsteht. Gelehnt an einen Pfahl oder auf einer Mülltonne übertragt sie Ihre Eindrücke, die sie umgebenden Gerüche, den Lärm, die Bewegung auf das Polaroid. Damit markiert und notiert sie spontan kleine ,,heterotopische Räume" der Metropole Paris. </p> <p>In Ihrer jüngsten Arbeit ,,Maulwürfe" (als Hommage an Günter Eichs Prosagedichte) setzt sie Ihren Körper in Zusammenhang zu einer meist monumentalen Innenarchitektur. Diese in Ihren Performances sichtbar werdende Divergenz von persönlicher und offizieller Emotionalität trägt oft eine bewusst humoristische Note. Die fotographisch dokumentierten Performances konvergieren in den Photographien zu Ikons einer neu erlebten Wirklichkeit von Architektur.</p> <p>Birgit Ramsauer ist 1962 in Deutschland geboren und hat Berlin und New York zu Ihrem Standort deklariert. Sie ist eine internationale Künstlerin, welche zahlreiche Ausstellungen vorzuweisen hat, wie auch Lehrtätigkeiten und Vorlesungen in Europa und <span class="caps">U.S.A.</span></p> <p>-------------------------------------------<br /> Galerie <span class="caps">OPEN </span>is pleased to present Birgit Ramsauer's first exhibition with the galerie. Her current show includes photographs from her "ART: <span class="caps">HOME</span>-LESS" and "Moles" series, as well as light boxes from her "Paris, Baskirzev Grave" series.</p> <p>Ramsauer works with various media but is best known for her performances, documented with photography and <span class="caps">DVD. </span> These performances follow in the footsteps of early 20th century experimental film from the Dada, Surrealist and Constructivist movements. Often, she plays a central role in her films; however, equally as often, the locations, architecture, and every day objects serve as the leading "characters". Through these performances, she reveals that every day, mundane human actions and things have a much greater sociological and cultural relevance.</p> <p>Through Ramsauer's performance project "ART: <span class="caps">HOME</span>-LESS", created in 1997, her visits to New York , Marseille, Moscow and Berlin , document unconscious, human actions. In her series "Paris, Baskirzev Grave" the artist visits various locations around Paris described in stories, taking Polaroids of them all. This series is a bit different because the photos are then painted, according to colors specically selected by the artist. Her latest body of work, "Moles", continues her exploration of the impact a common action has on the grander scheme of a society. "Moles", an homage to Günter Eichs' poem, shows the artist within architectural monuments, striking poses with her body in ways that creates deliberate humor. Ramsauer explains that her aim is to "bring awareness to certain characteristics that define the inner texture of a specific social environment". Each of her performances is documented with a photograph, freezing the action as evidence of the performance, and in this way, elevating the action to a tangible photograph which serves as an icon. <br /> <br /> Birgit Ramsauer was born in Germany in 1962 and has been based in Berlin since 1992. She is an international artist, exhibiting, lecturing and teaching in Europe and the <span class="caps">U.S.</span></p> <p><br /> <script type="text/javascript" src="//static.woopra.com/js/woopra.v2.js"></script><br /> <script type="text/javascript"> woopraTracker.track(); </script><br /> </p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1801 Exhibition: Udo Scheel - "Unsagbar schön" <div class="exhibition-subtitle">The Closing will be held the 23rd of October at 7pm</div> <div class="exhibition-dates">September 4 - October 24, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, September 4, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1777"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/27/27201.jpeg" alt="" height="251" width="500" /></a> <p>Udo Scheel (guest artist), <em>Fang</em>, 2004</p> <p> Öl auf Leinwand, 200 x 400 cm </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Die Galerie <span class="caps">OPEN </span>stellt den Maler Udo Scheel aus. Am 4. September 2009 um 19.00 Uhr laden wir Sie herzlich zu der Eröffnung: Udo Scheel ,,Unsagbar schön", Malerei, ein. Timm Ulrichs führt in die Ausstellung ein. Damit nicht genug. Im Anschluss zeigen wir Timm Ulrichs und Udo Scheel hält die Eröffnungsrede. Zwei hoch renommierte Künstler, Professoren der Kunstakademie Münster (bis 2005), Kollegen, Künstlerfreunde-<br /> auf hohem Niveau grundverschieden.<br /> Mit diesem sukzessiven Doppelereignis positioniert sich die Galerie <span class="caps">OPEN </span>außer- und oberhalb temporärer Saison Attraktionen.</p> <p>Udo Scheels Malerei zeichnet sich durch Komplexität, Spannung und Poesie aus. Er hatte kaum die Kunstakademie Düsseldorf verlassen als ihm 1965 die legendäre Galerie Parnass in Wuppertal seine erste große Einzelausstellung widmete. Die Galerie Zodiaque in Brüssel folgte im selben Jahr, später auch die Galerie Arcanes, Brüssel. Die Düsseldorfer Professoren setzten den erst 28 Jährigen auf den Dreiervorschlag Freie Graphik und empfahlen ihn 1971 der Landesregierung <span class="caps">NRW </span>als Professor und Gründungsrektor der heutigen Kunstakademie Münster. Seit 2005 frei von Lehrverpflichtungen arbeitet der Maler in Berlin und Münster. Als Maler vor allem auch durch seine umfassenden Einzelausstellungen im Kunstmuseum Gelsenkirchen und der Kunsthalle Recklinghausen mehr der Rhein-Ruhrszene verbunden, ist für ihn die Berliner Präsentation eine Premiere.<br /> ,,Malerei gewinnt nicht durch Grenzüberschreitung und Medienmixtur, sondern durch Konzentration auf ihre eigenen, unbegrenzten Möglichkeiten" (Udo Scheel).<br /> Gegenstandsbezogene, figurative Elemente verschmelzen mit abstrakt-gestischen zur Bildeinheit. Der Schub einer Farbbahn treibt einen Gegenstand vor sich her, eine Passage überschneidet und fragmentiert eine Figur, eine prägnante ,,Konturschale" widersteht dem andrängenden Malfuror und wird eingeschlossen. Scheels künstlerische Eltern sind die großen informellen Maler, allen voran Karl Otto Götz, mit dem ihn eine Lebenslange Freundschaft verbindet, aber auch Bernhardt Schultze, Gerd Hoehme..., seine Großeltern, die Surrealisten René Magritte, Max Ernst und in der Ahnenreihe finden sich Max Klinge und James Ensor. Die Endsilben -art, -ismus, oder -schule lassen sich seiner Kunst nicht anhängen. Manfred Schneckenburger: ... der Schwung dieser Malerei und ihre eigenwillige Brechung ins Mondäne, Erotische, Ironische tragen über alle Anklänge hinweg.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1777 Exhibition: VIENNAFAIR 2009 <div class="exhibition-subtitle">Florian Japp</div> <div class="exhibition-dates">May 6 - May 11, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Tuesday, May 5, 6:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1698"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/25/25265.jpeg" alt="" height="375" width="500" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Vertraute Fremdheit</p> <p>Florian Japps Objekte behaupten eine selbstverständliche Präsenz. Befreit von Akzidenzien, Hüllen und Mehrdeutigkeiten, treten sie klar, karg und ,,ungeschützt" in Erscheinung. Ihre kühlen Baupläne - Schichtung, Fächerung, Zentrierung - korrespondieren mit Anlehnungen an Naturwachstum und -wandlung. Oft sind es Mischformen, ablesbar in Machart, Material und Farbgebung. Sie sind uns fremd und vertraut zugleich, so als hätten wir sie vergessen und wiedergefunden. Ihre Zwecklosigkeit ist augenscheinlich, und wenn wir auch in den diffusen Gefilden der Erinnerungen, Vorstellungen und Ahnungen auf Analogien stoßen. Sinn und ,,Seele" der Objekte finden wir nur in ihnen selbst. Wir müssen sie betrachten, sie sind für uns gemacht.</p> <p>Der ,,Aufstand der Objekte", ihr Heraustreten aus Nebenrollen und Stilleben, ihre Befreiung von Anthropomorphismen hatte sich schon lange angekündigt, bevor Marcel Duchamps Flaschentrockner aus der Fabrik ins Museum wechselte. In fantastischen Erzählungen treffen wir auf beseelte, sprechende und handlungsfähige Objekte: Alltagsdinge, die oft mit magischen Kräften ausgestattet sind (E.T.A. Hoffmann, Lewis Carroll, Swift).<br /> Mag es bei Wilhelm Busch noch mit rechten Dingen zugehen, wenn sein ,,Möblemang" gegen den heimkehrenden Trunkenbold rast, so schreibt Theodor Vischer in ,,Auch einer" den Dingen Eigenwillen, Absichten und Tücke zu. Grandville setzt Vertrauen in die Erscheinung der Dinge: er lässt Perücken, Pompons und Toupets auf dem Meeresgrund wachsen und fügt noch manche ,,Metempsycoses et autres choses" hinzu. Einzig durch den Wechsel des Bezugfeldes blüht die Dingmagie auf. Autremonde! <br /> Lautréamont schlägt darüber hinaus ein überraschendes Rendezvous disparater Dinge vor: Die unerwartete Begegnung eines Regenschirms mit einer Nähmaschine auf einem Seziertisch. Eine folgenreiche Versuchsanordnung. Das Objectum (das uns Entgegengeworfene) wechselt von der Rolle des Gegenübers des Modells in die des Hauptakteurs: wie bei Brancusi, Picasso, de Chirico, Beckmann bis hin zu Claes Oldenburg und Joseph Beuys. </p> <p>Florian Japps Objekte sind neu. Sie verdanken sich nicht einer Versetzung, ,,Verfremdung", Beseelung oder Versuchsanordnung. Sie sind keine Modelle, Requisiten, Allegorien, Signets. Sie sind pure Skulpturen, Objekte, Kunstwerke. Man muss sie sehen und erleben, sich ihnen aussetzen. <br /> Über die Kontemplation, die einzig ein klares Erkennen der Objekte ermöglicht, öffnet sich ein Tor zu Poesie und Rätselhaftigkeit, zum Traum, zur Ahnung. Aus souveräner Fremdheit und rätselhafter Vertrautheit entfalten sie eine Wirkung im Raum, bilden Energiezentren und Kraftfelder und nehmen Einfluss auf Richtung, Intensität und Tiefe unserer Wahrnehmung und Aufmerksamkeit. </p> <p>April 2009 Prof. Udo Scheel</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1698 Exhibition: Katherine Newbegin - Behind The Scenes <div class="exhibition-subtitle">NO ROOM SPACES</div> <div class="exhibition-dates">April 30 - July 19, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, April 30, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1681"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/25/25928.jpeg" alt="Installation shot I" height="375" width="500" /></a> <p><p>Installation shot I</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich die zweite Solo Ausstellung ,,NO <span class="caps">ROOM SPACES </span>- Behind The Scenes", der amerikanischen Photographin Katherine Newbegin in Berlin vorzustellen. Die Künstlerin wird zur Eröffnung anwesend sein.</p> <p>Was steckt dahinter? <br /> Behind the Scenes ist zum einen das Ergebnis der Frage nach die Geschichten der Orte und beschreibt zum anderen einen Aspekt der Arbeit der Künstlerin. Katherine Newbegin, die 1976 in Portland, Oregon geboren wurde, studierte Fotografie und englische Literatur am Hunter College in New York sowie an der Yale University. Sie assistierte der deutschen Künstlerin Candida Höfer, deren Innenraumfotos sich jedoch sehr von Newbegins Werken unterscheiden. Katherine Newbegin reist seit 2005 durch Osteuropa und durch das kommunistische Kuba, aber auch durch Bundesstaaten der <span class="caps">USA, </span>wie zum Beispiel Oregon. Sie stellt die Außenwelt dar, eine Welt, die durch die Vergangenheit geprägt ist und schmutzige Spuren von jenen Menschen, die sie kurz bewohnt und benutzt haben aufweist. Sie begibt sich zumeist über Tage hinweg in verlassene halböffentliche Gebäude, regelmäßig Hotels - aber auch in Sanatorien - und spürt den Menschen, die jeden Moment wiederkommen könnten, nach. Eine abgenutzte und leblose Welt wird präsentiert, deren Attribute Isolation, Abnutzung, Verschleiß und emotionale Leere sind. Newbegin interessiert der Blick hinter die Fassade. Sie muss bei ihren Recherchen verschlossene Türen überwinden und in die Gebäude oft wie ein Dieb einsteigen. In ihren Arbeiten ist nichts arrangiert, nichts speziell ausgeleuchtet oder inszeniert. Beharrlich umkreist auch sie das Objekt der Begierde, um in dem einen richtigen Moment auf den Auslöser zu drücken. Die Künstlerin geht auf Spurensuche. Bepackt mit einem großen Rucksack und einer Kameraausrüstung, begibt sich die junge Frau auf die Suche nach entlegenen Plätzen der Welt, um visuelle Eindrücke aufzuspüren, denen in unserer schnelllebigen Welt kaum jemand Bedeutung schenkt. Durch die Linse entdeckt sie eine Welt, die der Konsument längst vergessen hat. Newbegin sucht Orte aus, die durch die Politik ihr Aussehen verpasst bekommen haben. Die sowjetische Architektur der sechziger Jahre, die durch gigantische Betonbauten Präsenz und Modernität beweisen wollte, ist eines der Ziele der Künstlerin. Melancholie breitet sich beim Anblick von Newbegins Farbfotografien aus. Emotional entleerte Räume, Hotelzimmer, Stockwerke, Treppenaufgänge und Badezimmer, zeugen von einer Härte, einer Art von Realität, die man versucht zu verbergen oder schnell zu vergessen. Die Künstlerin versucht mit ihrer Kamera die Ungereimtheiten der verschiedenen Kulturen, die durch die politische Lage bestimmt sind, festzuhalten und zu vermitteln. <br /> Katherine Newbegin kommentiert ihre Auswahl folgendermaßen: ,,...set against the western idea of an affluent middle-class family driving to Disneyland, it is this stark contrast, which acts as the crux of my fascination with these hotels. One of the most compelling aspects of the vacations offered to the ,,best workers" of the Soviet regime, was the element of control and monitoring which took place during the trips". </p> <p>Begleitend zur Ausstellung wurde die gleichnamige Publikation ,,Behind The Scenes" veröffentlicht. Herausgegeben durch Sasa Hanten mit einem Essay von Barbara Steffen, head of collection Albertina Wien, ist sie im Revolver-Verlag, Berlin, erschienen.</p> <p>----------------------------------------<br /> galerie <span class="caps">OPEN </span>is pleased to present the second solo show ,,NO <span class="caps">ROOM SPACES </span>- Behind The Scenes", of the American photographer Katherine Newbegin in Berlin. The artist will be present at the opening.</p> <p>What's behind it? <br /> Behind the Scenes is the result of this question of the history of the places, and its title describes an aspect of the artist's work. Born in Portland, Oregon, in 1976 Katherine Newbegin majored in photography and English Literature at Hunter College in New York as well as at Yale University. Newbegin was assistant to the German artist Candida Höfer, whose photographs of interiors differ greatly from Newbegin's. Katherine Newbegin has been travelling throughout Eastern Europe since 2005, and has also traveled in communist Cuba and US states such as Oregon. The American artist depicts the outside world, a world dominated by the past, a world which people use and discard, and which reflects human fallibility in its rooms. A worn-out, lifeless world is presented, whose attributes are isolation, shabbiness, neglect, and emotional emptiness. Newbegin is interested in what is behind the façade. She has to overcome locked doors for her research and often has to sneak into buildings like a thief. Nothing is arranged in her works, nothing is specifically illuminated or staged. Persistently, she circles the object of desire until that one perfect moment has arrived for her to take her photograph. The artist searches for traces. With a large backpack and her camera equipment in tow, the young woman goes on a search for isolated places to track down visual clues which are easily overlooked in this fast paced world. Through her lens she discovers a world long forgotten by today's consumer. Newbegin chooses locations that have inherited their looks from politics, as it were. Soviet architecture of the 1960s, whose monumental concrete constructions were shaped by the need to prove presence and modernity, is one of the artist's targets. Melancholy descends on the viewers of Katherine Newbegin's color photographs. Emotionally empty rooms, hotel rooms, floors, staircases and bathrooms testify to a harshness, a type of reality which is usually hidden or quickly suppressed. In her work, Newbegin investigates these stories and this momentum, thus also analyzing universal conditions for being sheltered or unsheltered. Katherine Newbegin explains her choice as follows: "... set against the western idea of an affluent middle-class family driving to Disneyland, it is this stark contrast which acts as the crux of my fascination with these hotels. One of the most compelling aspects of the vacations offered to the `best workers' of the Soviet regime was the element of control and monitoring which took place during the trips."</p> <p>In correspondence to the exhibition will be a publication ,,Behind The Scenes". Released by Sasa Hanten with an Essay of Barbara Steffen, head of collection Albertina Vienna, it is publicized in the Revolver-Verlag, Berlin.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1681 Exhibition: Matthias Baus - Behind the Scenes <div class="exhibition-subtitle">hunting men</div> <div class="exhibition-dates">March 12 - April 25, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, March 12, 7:00 PM - 9:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1640"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/22/22966.jpeg" alt="" height="465" width="500" /></a> <p>Matthias Baus (guest artist), <em>MÄNNER PORTWEIN</em>, 2008</p> <p> Lambda-Print, Diasec® Face matt, Aludibond, 93cm x 100 cm, 36,61 inch x 39,37 inch </p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Was steckt dahinter? Matthias Baus ist Fotograf. Der 1973 in Köln geborene Künstler ist ein Fotograf der Seele. Behind the Scenes ist zum einen das Ergebnis der Frage nach den Geschichten der Menschen und beschreibt zum anderen einen Aspekt der Arbeit des Künstler. Mit seiner Kamera schaut er mehr als in die Augen der Modelle. Er eröffnet eine weitere Welt, die sich erst im großen Abzug erkennen lässt. Baus interessiert der Blick hinter die Fassade, er betrachtet den Menschen selbst, ihren Innenwelt. Der menschliche Gesichtsausdruck ist der Ausgangspunkt von Matthias Baus Fotoarbeiten. Er geht mit seinen neuen ,,Teilporträts" einen wichtigen Schritt weiter und entfernt sich von der klassischen Porträtfotografie. In seinen Fotoserien, an denen er seit 2004 arbeitet, entwickelt der Künstler eine neue Interpretation des Porträts: Der Porträtierte sieht frontal in die Kamera, mit offenen Augen, klarem Blick und ernster Miene. Der Unterschied zum herkömmlichen Fotoporträt könnte größer nicht sein: Jedes Gesicht der dargestellten Personen ist nur zu einem Teil zu sehen. Der Künstler sucht sich jenen Gesichtsteil aus, der am meisten dominiert, nämlich die Partie um das Auge, die Nase und die Backenknochen, die einem Gesicht Individualität verleihen. Die Konzentration des Blicks des Beobachters erfährt eine neue Dimension. Wenn man in ein Gesicht sieht, erkennt man ein Ganzes, ein Totales. Die Individualität des Menschen wird durch sein Gesicht geprägt. Diese visuelle und emotionale Erfahrung durchkreuzt Baus mit seinen Großaufnahmen. Matthias Baus geht es nicht mehr um die gesamte Darstellung des Gesichts und die Repräsentation des Porträtierten, sondern um einen Ausschnitt, der das Gesamtbild verändert. Durch die fotografische Manipulation, die Konzentration auf einen Ausschnitt, schafft Baus einen visuellen Erfahrungswert, der neue Wege der Bildinterpretationen eröffnet. Fotografie zeigt immer eine Realität, die erst durch Bearbeitung und Veränderung des Fotos die Handschrift des Künstlers trägt. Matthias Baus greift in die Realität mit extremen Mitteln ein und schafft eine neue Form des Porträts, das in zweifacher Weise gesehen werden kann: als eine, durch die Auswahl des Ausschnitts, verfremdete Wirklichkeit oder als ein Bild als abstrahierte Oberfläche, das zu einem konzeptuellen Kunstwerk wird.</p> <p>Begleitend zur Ausstellung wurde die gleichnamige Publikation ,,Behind The Scenes" veröffentlicht. Herausgegeben durch Sasa Hanten mit einem Essay von Barbara Steffen, head of collection Albertina Wien, ist sie im Revolver-Verlag, Berlin, erschienen.</p> <p>What's behind it? Mathias Baus is a photographer. Born in Cologne in 1973, the artist is a photographer of the soul. Behind the Scenes is the result of this question of the history of the people and the title describes an aspect of the artist's work. With his camera, he is looking beyond the eyes of his models. He reveals another world in these eyes, a world which only appears in full on a large print. Baus is interested in what is behind the façade; he looks at the human beings themselves, their inner world. A person's facial expression is the starting point of Matthias Baus photography. Matthias Baus takes portrait photography an important step further with his "partial portraits", moving away from the traditional interpretation. In his photo series, on which he has been working since 2004, the artist has been developing a new interpretation of the portrait: the portrayed person faces the camera with open eyes, a clear focus, and a serious expression. The difference to traditional portraits could not be greater: only a part of every model's face is actually visible. The artist selects the most dominating part of the face, namely the part around the eye, the nose, and the cheekbones - the part which gives individuality to a face. The viewer's focus enters a new dimension. When looking at a face one recognizes a whole, a complete entity. The individuality of a person is expressed by his or her face. Baus' close-ups are like a spanner in the works of this visual and emotional experience. Matthias Baus is no longer interested in the whole image and representation of his models, but in a part of it that changes the whole picture. Due to the manipulation of the photograph by focusing on just one section, Baus creates a visual experience which opens new ways for the analysis of images. Photography always represents a certain reality which needs processing and modification to become the artist's own, individual reality. Matthias Baus takes extreme measures to modify reality, creating a new type of portrait that can be viewed in two different ways: representing a modified reality due to the selection of a detail, or as an image in the form of an abstracted surface which becomes a piece of conceptual art.</p> <p>In correspondence to the exhibition will be a publication ,,Behind The Scenes". Released by Sasa Hanten with an Essay of Barbara Steffen, head of collection Albertina Vienna, it is publicized in the Revolver-Verlag, Berlin.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1640 Exhibition: Art Karlsruhe 2009 <div class="exhibition-subtitle">Katherine Newbegin</div> <div class="exhibition-dates">March 5 - March 9, 2009</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1682"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/24/24011.jpeg" alt="" height="216" width="287" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1682 Exhibition: Brian Finke "Flight Attendants" <div class="exhibition-subtitle">Kathleen Vance "Traveling Landscapes"</div> <div class="exhibition-dates">February 5 - March 7, 2009</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, February 5, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1622"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/22/22657.jpeg" alt="Installation shot Finke and Vance" height="358" width="500" /></a> <p><p>Installation shot Finke and Vance</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich den renommierten New Yorker Photographen Brian Finke mit der Serie "Flight Attendants" und Kathleen Vance mit "Traveling Landscapes" vorzustellen. Beide Künstler setzen sich mit der Luftfahrt auf ihre eigene Art auseinander.</p> <p>In den nachgebauten und transportablen Landschaften der New Yorker Künstlerin Kathleen Vance, beschäftigt sie sich mit dem Inhalt verschiedenster Formen in der Natur, die Wachstum zeigen und die Umwandlungen der damit verwandten Formen, die aus diesem Wachstumsprozess heraus entstehen. Sie baut die Landschaften in Koffer, welche sie überall auf der Welt findet und schickt sie auf Flugreisen, um den Einluss der Menschen in der Natur widerzuspiegeln. In einer Erforschung der natürlichen Systeme des Wachstums, reinterpretiert sie Natur, um den Zusammenhang dieser Systeme innerhalb unserer Arbeitsgesellschaft herzustellen und zu definieren und empfindet Natur als Umwelt sowie ein unberührbares Konzept. Indem man direkt Natur bezieht, wird ihr materieller Ursprung verlegt und reaktiviert, um ein anderes unwahrscheinliches Treffen zu verursachen und stellt menschliche Entlassung vom Natürlichen und von ihrer Tendenz zu versuchen, Natur zu steuern, heraus. Punkte der Versetzung ansprechend, definiert sie das menschliche Konstruieren der Grenzen zwischen der natürlichen und künstlichen Welt. </p> <p>Flying the friedly skies, durchquerte Brian Finke zuerst die Vereinigten Staaten und photographiert das Flugpersonal der Delta, Jet Blue, Hawaian Airlines, bevor er sich ins Ausland mit Fluggesellschaften wie Air France, Quantas und Britisch Airways begab. In London besuchte er einen Sicherheits-Kurse an der Stewardess Schule. Danach setzte er seine Reise in den Osten fort, indem er mit Air Aisa, Thai, Tiger, <span class="caps">ANA,</span> Japan und Cathay Pacific flog. Finke vollendete seine zweijährige Reise mit der glanzvollen Icelandair. Das Resultat der Wanderlust von Brian Finke ist in der "Flight Attendants" Serie ersichtlich, eine Kollektion von dynamischen Photographien dokumentiert das Leben von den abenteuerlustigen Seelen, welche sich dazu beschlossen haben in 12.000m Höhe zu arbeiten. Die Werke entstanden vor, während und nach den Flügen, sie halten die Faszination der Profession des high-flying und die etwas zurückgezogenen Momente des täglichen Lebens der Flug-Crew fest. Finke fühlt sich der charakteristischen Dynamik von Gruppen-Anordnungen hingezogen, mit der Fokussierung auf uniformierte Individuen, welche eingeübte Tätigkeiten ausführen. Mit einem Blick für das Ironische wie auch Absurde, verbindet Finke das Glamouröse mit dem Legeren nahtlos und offeriert dadurch einen unvergesslichen Einblick in die Industrie der Luft-Reisen und der dazu gehörigen Personen. </p> <p>-----------------------------------------------------</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>is pleased to introduce the well known New York photographer Brian Finke with "the Flight Attendants"" and the installation of Kathleen Vance with the "Travelling Landscapes" series. Both artists inspect the air travel in their own way. </p> <p>In the rebuilt and transportable Landscapes of the New York artist Kathleen Vance, she deals with issues involving the varied forms in nature that are indicative of growth, and the transformations that occur in the growth processes relative to these forms. She builds the landscapes in suite cases, which she finds around the world and sends them by air travel, in order to show the influence of human kind on nature. In an exploration of natural systems of growth, she reinterprets nature to establish and define the context of these systems within our working society, perceiving nature as an environment as well as an intangible concept. By referencing nature directly, its material origin is displaced and reactivated to create an otherwise unlikely encounter, exposing human's dismissal of the natural and their tendency to attempt to control nature. Addressing issues of displacement, the philosophy of what is natural, what forms indicate the natural and how the context affects the meaning and identity of these forms, she defines the human construct of the boundaries between the natural and the artificial world. </p> <p>Flying the friendly skies, Brian Finke crisscrossed the United States photographing flight attendants on Delta, JetBlue, Hawaiian, Hooters Air, Southwest, and Song airlines before going abroad with such carriers as Air France, Qantas and British Airways. In London, Finke visited a flight attendant school with emergency rafts and billowing smoke. Then continuing east, he traveled with Air Asia, Thai, Tiger, <span class="caps">ANA,</span> Japan and Cathay Pacific. He finished two years of travel with the illustrious Icelandair. The result of Finke's wanderlust is his series "Flight Attendants", a vibrant collection of photographs documenting the lives of those souls who choose to work at 40,000 feet. Shot before, during and after flights, the photographs capture the allure of the high-flying profession alongside the more quiet moments of the attendants daily lives. He is drawn to the distinctive dynamics of team formation, focusing on uniformed individuals executing practiced actions. With an eye for the ironic and the absurd, he seamlessly blends the glamorous with the casual, offering a look at the people of the air travel industry.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1622 Exhibition: Max Grüter / Andrea Muheim <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">October 23 - December 23, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, October 23, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1561"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/20/20582.jpeg" alt="Max Grüter installation shot" height="316" width="237" /></a> <p><p>Max Grüter installation shot</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 23. Oktober bis zum 23. Dezember 2008 die Arbeiten von Max Grüter und die Malerei und Stickereien von Andrea Muheim zu präsentieren.<br /> Die Ausstellung erfolgt in Zusammenarbeit mit der Galerie Stephan Witschi aus Zürich. Die Eröffnung findet am Donnerstag dem 23. Oktober 2008 um 19 Uhr statt. Die Künstler werden anwesend sein. Grüter und Muheim leben und arbeiten beide in Zürich und be-<br /> fassen sich mit ihrem Umfeld, welches sie täglich umgibt. Die Malerei ist für Andrea<br /> Muheim eine Form der Kommunikation, eine Bestandsaufnahme. Wobei die Installa-<br /> tionen, Skulpturen und Mixed Media Werke von Max Grüter ein Umfeld kreieren, welches einen individuellen künstlerischen Kosmos suggeriert. Es ist so als würde Grüter seinen Vorstellungen entsprechend in eine Sphäre eintauchen die nur er versteht, jedoch den Betrachter mit Teil haben lässt. Muheim hingegen ist die Beobachterin, die Freunde, Freundinnen und sich selber vermischt mit Vorstellungen und Gefühlen und die Besonderheit einer Person oder Situation durch ihr Werk erfasst. Hier darf der Außenstehende intime und berührende Momente erfahren und zugleich spüren.<br /> Für die 1968 geborene Künstlerin Andrea Muheim - sie lebt und arbeitet in Zürich - die Strickbilder zeigen eine gewisse Intimität, allein schon durch die Größe und Auswahl des Mediums. Ihr soziales Netz, ihre Kinder, ihre Liebsten und die Räume, in denen sie leben, schlafen und arbeiten werden immer wieder aufgegriffen. Für die Künstlerin ist ihr Werk eine Form der Kommunikation und Zwiesprache. Die Künstlerin gewährt einen Einblick in ihr Leben , indem sie uns einen Teil ihres Tagebuches preisgibt. Beobachtungen mischen sich mit Vorstellungen und Gefühlen. Dabei versucht sie die Kraft und Besonderheit einer Person oder Situation zu erfassen. Die neue Mal-Serie kündet jedoch von einem Bruch. Die Bilder formulieren in großen Formaten menschenleere Straßenzüge, Parks oder Plätze, im dumpfen Kolorit der Nacht oder der Morgendämmerung gemalt. Blau und Schwarz herrschen vor, nur durchbrochen vom fahlen Gelb einer Straßenlaterne, vom Graublau der sich ankündigenden Morgendämmerung. Das Kolorit ist trotz der nächtlichen Thematik nicht distanziert oder gar unterkühlt.<br /> Max Grüter (1955), aufgewachsen in Horgen, lebt und arbeitet in Zürich. Er ist in den klassischen Disziplinen Zeichnung, Malerei und Skulptur genauso beheimatet wie in prozessualen Arbeiten und in der virtuellen 3-D-Animation. Eines seiner zentralen Experimentierfelder ist die Raumfahrt. Seit Jahren schafft er unter der Projektbezeichnung My Private Space Program unermüdlich an seinem ganz persönlichen intimen Raumfahrtprogramm. Ein 3-D-generierter Astronaut mit den Gesichtszügen des Künstlers, der als Symbolfigur für das explorative Potential des menschlichen Denkens und Handels und für den Aufbruch in ein virtuelles Zeitalter steht. Am Anfang von Grüters Schaffen dominieren motivisch menschliche Figuren aus der Arbeitswelt, die absurdistisch verzerrt, eingezwängt oder fragmentiert sind oder<br /> symbiotische Verbindungen mit Arbeitsinstrumenten eingehen. Der in einer kapitalistischen Gesellschaft auf seine Funktion als Arbeitsmaschine reduzierte<br /> und in seiner Entfaltungsfreiheit limitierte Mensch stellt ein Grundthema der skulpturalen Arbeiten dar. Eine weitere wichtige Werkgruppe sind die Modellbaukästen. Mit Bausätzen für Goldbarren, Meerschweinchen und ganzen Familien erweist Grüter<br /> den Modellbauertraum, sich im Kleinen eine Heile Welt zu erschaffen. Vergleichbar mit Andy Warhols Do-it-yourself-Paintings suggerieren die in Spritzgussrahmen eingefügten Bausätze im Spiel mit den ästhetischen Kategorien vollendet - unvollendet dem Kunstkonsumenten die Möglichkeit, schöpferisch tätig zu sein, die sich alsdann als uninspiriertes Zusammensetzen vorfabrizierter Einzelteile entpuppt. Auch in performativen Arbeiten (Crashtest für Lieblingsgegenstände, 2003; Künstlerstrich, 2006; Bioplot, 2007) verschwimmt die klare Rollenverteilung zwischen Künstler und Kunstkonsument. Der Künstler beschränkt sich auf die Aufgabe, den Entstehungsvorgang des Kunstwerks festzulegen und das Resultat als Kunst zu beglaubigen, der Kunstkonsument übernimmt die Produktion oder bestimmt Aussehen und oft auch den Preis des Endprodukts mit. Als Konsequenz bietet Grüter seit 2007 das Datenmaterial, das die Grundlage seines Schaffens bildet, auf seiner Webseite als Downloads frei und schafft ,,Open Source Kunst".</p> <p>Der Künstler Max Grüter zeigt in der Publikation <span class="caps">HOUSTAN,</span> I AM A <span class="caps">PROBLEM </span>einen Querschnitt seines Schaffens, von den Anfängen in den Achtzigern bis heute.<br /> Das Buch ist in der galerie <span class="caps">OPEN </span>während der<br /> Ausstellung erhältlich.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1561 Exhibition: Florian Japp / Kathrin Rank <div class="exhibition-subtitle">"Zerstreuung in der Zentrifuge- Organische Technoide"/ "Fossile Augenblicke"</div> <div class="exhibition-dates">September 4 - October 18, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, September 4, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1455"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/17/17835.jpeg" alt="Objekt_006: Holz, Lack, 100 x 45 x 45 cm, 2007, Florian Japp" height="332" width="500" /></a> <p><p>Objekt_006: Holz, Lack, 100 × 45 × 45 cm, 2007, Florian Japp</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 04. September bis zum 18. Oktober 2008 die Objekte von Florian Japp und die Malerei und Zeichnungen von Kathrin Rank zu präsentieren. Die Eröffnung findet am Donnerstag dem 04. September 2008 um 19 Uhr statt. Die Künstler werden anwesend sein.</p> <p>Was sowohl Kathrin Rank als auch Florian Japp interessiert ist ein gewisser Schwebezustand. Kathrin Rank untersucht Zwischenzeiten. Sie hält den Moment zwischen zwei Zuständen fest. Ein Augenblinzeln weiter auf der Zeitachse nur, und alles ist anders. Diese Momentaufnahme hat etwas Magisches. Er ist nicht alltäglich, obwohl er jeden Tag vorkommt, aber er entgleitet dem Sichtbaren. Kathrin Rank schafft es, ihn zum Vorschein zu bringen. Florian Japp interessiert sich ebenfalls für das Dazwischen. Seine Objekte erinnern an Dinge, die im Alltag vorkommen. Sie sind aber derart mutiert, dass ein Flimmern entsteht. Sobald der Betrachter glaubt, ein Objekt identifiziert zu haben, entgleitet es ihm auch schon wieder. Sie fangen an zu oszillieren. Kathrin Rank untersuch zeitliche Zustände und Florian Japp Aggregatszustände der Dinge.</p> <p>Die Skulpturen erinnern an stilisierte Formen der Natur wie Knospen oder Blütenstempel. Sie haben aber auch eine technische Seite und suggerieren einen industriellen Ursprung. Alltagsgegenstände werden bis auf das Gerüst entkleidet. Das Wesentliche jedoch bleibt. Die in einem Verdichtungsprozess neu zusammengesetzten Skelette ergeben organische Technoide. Die Formen der Natur und das technische Bauteil verschmelzen miteinander. Die vage Erinnerung bleibt bestehen. Die so entstandenen Modelle sind nicht greifbar und entziehen sich der Begrifflichkeit, die Mutation wirkt verstörend. Die Objekte sind irreal geworden, so als wären sie einem Traum entsprungen. Die Formen strahlen eine gewisse Distanz und Fremdheit aus und scheinen in ihrer Stilisierung nackt, reduziert auf ihre Essenz. Sie wahren eine gewisse Form von Verletzlichkeit. Sie fangen an zu flimmern und zu oszillieren.</p> <p>In Kathrin Ranks visuellen Synthesen wird Altes in Neuem komprimiert. Situationen, Momente, Szenen, Dinge und Gegenstände erscheinen an der Ober-<br /> fläche noch flüchtig und trivial, doch dahinter steht der Bruch einer zeitlichen Tiefe, aus der die Motive ihrer Bilder erst erkennbar werden. Wir sehen Augenblicke<br /> vom Grund der Zeit emporblitzen, Momente in denen mal Ruhe, mal schieres Unbehagen pulsiert und die wie der Reflex eines Uranfänglichen an der Oberfläche der Darstellung, der Nahtstelle von Auge, Zeichen und Welt, aufblenden. Eine Wirklichkeit, in der Zeitfülle und Bildtiefe kollidieren und ineinander verschränken, so dass die Fernwirkung ihrer ästhetischen<br /> Allianz kraft einer bildgebenden Prozedur des Malens in unsere Wahrnehmung übertragen wird. Ranks Bilder ziehen unsere Blicke damit hinter die Oberfläche der Gegenwart und dringen ein in die zeitliche Dimension des Weltenraums unserer Erfahrung.<br /> Timo Kaabi Linke</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1455 Exhibition: Katherine Newbegin / Peter Vogel - Digression: Walking through space / Licht, Klang, Bewegung <div class="exhibition-subtitle">New photos / Interaktive Objekte</div> <div class="exhibition-dates">May 8 - July 25, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, May 8, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1424"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/16/16179.jpeg" alt="Works by Newbegin and Vogel" height="375" width="500" /></a> <p><p>Works by Newbegin and Vogel</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Der Betrachter von Vogels Werk ist der Akteur seines eigenen momentanen Befindens, indem er mittels Tönen, Gesängen, Lauten oder Lichteinflüssen Peter Vogels Werke zu Leben erweckt. Newbegins Fotografien hingegen zeigen unbelebte Räume, die trotz der Abwesenheit menschlichen Daseins, Leben für den Betrachter spürbar machen.</p> <p>Die Photographien der New Yorker Künstlerin Katherine Newbegin zeigen temporäre Orte. Seien es verlassene Hotels, Kinos, Cafes oder Anstalten: Die grundlegende Thematik ihrer Bilder ist die Abwesenheit der Menschen, die zwar nur vordergründig ist, aber die Spuren ihres Lebens subtil spürbar machen.<br /> Katherine Newbegin hat diese zurückgelassenen Spuren menschlichen Daseins in den <span class="caps">USA,</span> Cuba, Rumänien, Polen, Russland und Deutschland recherchiert. Jedes Land stellte ein neues Projekt dar, umso überraschender sind die globalen Gemeinsamkeiten der verstrichenen Zeit, die aufgrund der hinterlassenen Relikte nicht nur spürbar, sondern sichtbar werden.<br /> Katherine Newbegin photographierte die Räume in genau den Zustand, in den sie sie vorfand. Sie hat nichts arrangiert oder verändert, daher wirken ihre Arbeiten unmittelbar auf den Betrachter. Sie erfassen die menschliche Beziehungen, die in diesen Räumlichkeiten einst stattfanden. Sie sind höchst emotional und zeitenverbindend.<br /> Die Architektur der öffentlichen Orte spricht die Allgemeinheit an, jedoch beherbergt bzw. beherberte sie Individuen, die gewisse Leistungen erbringen müssen bzw. mussten, um diese Orte zu bewohnen. Sei die Leistung eine mentale Störung, der finanzielle Ausgleich oder eine Befriedigung der Sinne. So wird der public space zum domestic space, mit individuellen Spuren und unzähligen Geschichten.<br /> Verbindend ist auch, daß ihre Arbeiten ausschließlich Orte dokumentieren, die einst Schauplatz menschlicher Fürsorge waren. Denn nicht nur in Hotels oder Cafes werden Gäste umsorgt, sondern auch Irrenanstalten kümmern sich um das Wohl ihrer Patienten. It's a vacation of the mind. Beim Betrachten ihrer Arbeiten drängt sich folgende Frage auf: What happened? Wer oder was hat hier gewohnt? Wieso? Und zu guter letzt: Wieso steht es jetzt leer? Wer war der Letzte, der endültig die Tür geschlossen, der endgültig good-bye gesagt hat?<br /> Katherine Newbegins Arbeiten sind Porträts nicht sichtbarer aber spürbarer Individuen.</p> <p>Peter Vogel, Physiker und Künstler zugleich, gehört zu den Pionieren der interaktiven Kunst. Die ästhetische Dimension seiner Werke liegt nicht nur in der optischen Erscheinung seiner elektronischen Skulpturen und Reliefs, sondern vor allem in ihrer zeitlichen Struktur der Interaktivität: Diese Werke kann nur der Betrachter zum Leben erwecken. Sein Schatten, seine Bewegung oder seine Geräusche lösen bei den Objekten eine Reaktion aus, die sich in Klängen, aber auch in Farb- und Lichtwechsel oder Bewegungen manifestiert. Die Gestaltungsmittel sind elektronische Schaltungen, in denen man Lautsprecher, Fotozellen, Kondensatoren usw. erkennen kann. Das politisch motivierte Grundthema seiner Arbeiten ist der Aspekt der Kommunikation, die Wechselwirkung zwischen Sender und Empfänger.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1424 Exhibition: ViennaFair 2008 <div class="exhibition-subtitle">The International Contemporary Art Fair</div> <div class="exhibition-dates">April 24 - April 27, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Wednesday, April 23, 6:00 PM - 8:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1406"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/15/15744.jpeg" alt="Vienna Fair 2008" height="243" width="500" /></a> <p><p>Vienna Fair 2008</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>"Die aktuelle Entwicklung der internationalen Messeszene zeigt, dass die >VIENNAFAIR< von ihrer ersten Ausgabe an auf dem richtigen Weg war. Der Schwerpunkt auf Galerien aus dem ost- und südosteuropäischen Raum, kombiniert mit spannenden Präsentationen von Galerien aus Westeuropa, Übersee und nicht zuletzt der boomenden Wiener Galerienszene hat sich als wahres Erfolgskonzept erwiesen", freut sich DI Matthias Limbeck, Geschäftsführer für New Business, Marketing & <span class="caps">CEE </span>der Reed Exhibitions Messe Wien. Er bezieht sich dabei auf das große Interesse und die bereits fixierten Anmeldungen zur vierten Ausgabe der >VIENNAFAIR<, die vom 24. bis 27. April 2008 in der Halle A der Messe Wien stattfinden wird. ,,Der neue, internationale Messebeirat hat hervorragende Arbeit geleistet, und die diesjährige >VIENNAFAIR< ist mit 124 teilnehmenden Galerien restlos ausgebucht. Wir haben die Messefläche erweitert und trotzdem stehen noch Galerien auf der Warteliste", würdigt Limbeck auch die Arbeit des Beirates, bestehend aus Guido W. Baudach - Galerie Guido W. Baudach/Berlin, Anne Blümel - Galerie Lelong/Zürich/New York/Paris, Kerstin Engholm - Engholm Engelhorn Galerie/Wien, Dr. Ursula Krinzinger - Galerie Krinzinger/Wien, Simon Rees - Contemporary Art Centre of Vilnius/Litauen, Michel Rein - Galerie Michel Rein/Paris, Anthony Wilkinson - Wilkinson Art Gallery/London und Mag. Thomas Wüstenhagen - layr:wuestenhagen contemporary/Wien.</p> <p>Die Internationalisierung ausbauen, den Standort stärken<br /> ,,Es freut mich sehr, dass es uns auch bei der vierten >VIENNAFAIR< gelingen wird, die Messe noch internationaler zu machen und gleichzeitig die österreichische Galerienszene praktisch vollständig einzubinden", fasst Edek Bartz, der Exhibition Director der >VIENNAFAIR<, die intensive Vorarbeit zusammen, die wieder zu einer spannenden Auswahl an Galerien und einem hochkarätigen Rahmenprogramm für die >VIENNAFAIR< geführt hat. 124 Galerien, davon 46 aus Österreich, 55 aus Westeuropa - davon 31 aus Deutschland - je 2 aus Israel und den <span class="caps">USA </span>und 19 aus den Schwerpunktländern Ost- und Südosteuropas werden in der Messe Wien vom 24. bis 27. April 2008 wieder ihre Auswahl der zeitgenössischen Kunstproduktion präsentieren. Mit ihrem Konzept der fortschreitenden Internationalisierung schafft die >VIENNAFAIR< die Voraussetzung für die weitere Entwicklung des Kunstplatzes Wien.</p> <p>Neben der schon traditionell starken Teilnahme von Berliner Galerien wie Baudach, <span class="caps">DNA,</span> Kunstagenten, Jette Rudolph und Antje Wachs, die diesmal durch carlier | gebauer, Feinkost, Open, Gillian Morris und <span class="caps">ZAK </span>verstärkt werden, kommen 2008 erstmals zwei Galerien aus Israel (Dvir Gallery und Sommer Contemporary Art, beide aus Tel Aviv) zur >VIENNAFAIR<. Die Athener Galerien gazonrouge, Kalfayan und The Breeder sind ebenso wieder dabei wie Lelong aus Zürich, Baukunst aus Köln, Benden & Klimcak, Viersen, Distrito Cu4tro aus Madrid und Six Friedrich Lisa Ungar aus München. Aus Frankreich haben sich sechs Galerien angemeldet (La Blanchisserie, ColletPark, Eric Dupont, die galerie de multiples, Michel Rein und Suzanne Tarasiève), fünf Teilnehmer kommen aus Grossbritannien (HF Contemporary Art, <span class="caps">MOTI</span>nternational, Hidde van Seggelen, Max Wigram und Wilkinson). Italien ist mit sechs Galerien vertreten (Ala, Ca´di Fra´, goethe 2, Studio Legale, Davide di Maggio und Traghetto) und aus den <span class="caps">USA </span>stellen mit I-20 und Klemens Gasser & Tanja Grunert zwei Galerien bei der >VIENNAFAIR< aus.</p> <p>Aus Österreich wurden 46 Galerien für die Teilnahme an der >VIENNAFAIR< zugelassen. International renommierte österreichische Galerien wie die Wiener Galerie Heike Curtze, Engholm Engelhorn, nächst St. Stephan, Krinzinger, König, Senn, Hilger, Insam, Janda, Meyer Kainer und Krobath Wimmer, die Galerien aus den Bundesländern wie Ropac, Thoman und Welz und die jungen Galerien Viktor Bucher, layr:wuestenhagen contemporary, Andreas Huber, Dana Charkasi und Patrick Ebensperger bringen mit vielen weiteren einen überzeugenden Auftritt der österreichischen Galerienszene auf die >VIENNAFAIR 2008<.</p> <p>Große Plattform für Galerien aus Ost- und Südosteuropa<br /> Von Beginn an war die Schwerpunktpräsentation von Galerien aus Ost- und Südosteuropa ein entscheidender Faktor für das große Interesse internationaler Kunstsammler an der >VIENNAFAIR<. 19 Galerien werden 2008 die Werke ihrer KünstlerInnen auf der Kunstmesse in Wien präsentieren. Darunter Galerien die dem Messepublikum schon aus den letzten Jahren bekannt sind, wie Raster, lokal_30 und die Program Art Gallery aus Warschau, 2Meta aus Bukarest, Photon und Skuc aus Laibach, New Moment Ideas Gallery und Remont, beide aus Belgrad, hunt kastner artworks aus Prag, die <span class="caps">ACB</span> Gallery aus Budapest, Vartai aus Vilnius und die Space Gallery und Bast´ Art aus Bratislava, von wo auch zwei Neuzugänge auf die >VIENNAFAIR< kommen, die Kressling Gallery und Photoport. Aus Polen mit dabei sind die Czarna Galeria (Warschau), Kisterem aus Budapest und <span class="caps">ARC</span> Projects aus Sofia.</p> <p>Sponsoren ermöglichen Messeteilnahme<br /> Wie schon in den letzten Jahren ist die <span class="caps">ERSTE BANK </span>als Hauptsponsor und Unterstützer der Messeteilnahme dieser Galerien entscheidend am Gelingen der Schwerpunktpräsentation beteiligt. Dazu Boris Marte, Head of Corporate Sponsoring der Erste Bank: "Die >VIENNAFAIR< verfolgt ganz ähnliche Ziele wie wir: Nämlich das Potenzial Zentral- und Osteuropas zutage zu fördern. Wir sind heute einer der größten Finanzdienstleister der Region, mit mehr als 16 Millionen Kunden in acht Ländern. Daher liegt uns besonders viel daran, den Menschen dort auch etwas zurückzugeben. Die >VIENNAFAIR< hilft uns dabei. Hier können wir Künstlerinnen und Künstlern aus Zentral- und Osteuropa eine Plattform bieten, von der aus sie sich mit einander vernetzen und ihre Werke einer internationalen Öffentlichkeit präsentieren können." Die Erste Bank ermöglicht einer jährlich steigenden Anzahl von zentral- und osteuropäischen Galerien die Teilnahme an der >VIENNAFAIR<.</p> <p><span class="caps">ZONE1</span>: Die Sonderpräsentationen der >VIENNAFAIR<<br /> Die auf der letztjährigen >VIENNAFAIR< erstmals präsentierte <span class="caps">ZONE1 </span>wird auch im Jahr 2008 eine Weiterentwicklung erfahren. Auf einem eigens gestalteten Areal im Zentrum der Messe können Galerien auf jeweils 20 m² Einzelpräsentationen von Arbeiten junger KünstlerInnen zu speziellen Konditionen zeigen. 19 Präsentationen wurden vom Messebeirat für die <span class="caps">ZONE1 </span>ausgewählt. Neu in der <span class="caps">ZONE1 </span>sind die Galerie Hubert Winter mit der Installation ,,Panhard Special - The Velocity of Thought" von Paul Etienne Lincoln, die Galerie Eric Dupont, Paris, mit Arbeiten von Regina Virserius, die Galerie Open, Berlin, mit Fotografie von Katherine Newbegin und Marc Berville MB Prospects, Berlin, mit Zeichnungen von Marko Velk. Nicola von Senger aus Zürich präsentiert Arcangelo Sassolino und Hamish Morrison bringt Arbeiten von Wolfgang Flad von Berlin nach Wien. Aus Bregenz bringt die Galerie Lisi Hämmerle eine Installation des Duos Alexandra Berlinger / Wolfgang Fiel, habres+partner, Wien, zeigen Magda Tóthová und Mario Mauroner Contemporary Art Vienna präsentiert die Skulptur ,,Dorothy" von Joana Vasconcelos. Die Galerie Mezzanin bietet in der <span class="caps">ZONE1 </span>ein Projekt von Manuel Gorkiewicz. Weitere Erstteilnehmer sind das Studio Legale, Rom mit Alika Cooper, die Galerie traversée, München mit Chow Chun Fai und La Blanchisserie, Boulogne mit Arnaud Maguet. Gemeinschaftsprojekte zeigen die Galerien Grita Insam, Wien, mit Cristina Guerra Contemporary Art, Lissabon (Künstler: José Loureiro) und die Galerie Krinzinger Wien mit der Galerie Antje Wachs aus Berlin (Künstlerin: Clarina Bezzola). Zum zweiten Mal in der <span class="caps">ZONE1 </span>präsentieren die Galerien Hohenlohe, Wien (Cornelia Schmidt-Bleek), Hidde van Seggelen, London (Natasha Rosling), I-20 (Karen Heagle), New York, und Steinle Contemporary aus München (Krüger/Pardeller).</p> <p>Übrigens wird die Präsentation des vorjährigen Gewinners der <span class="caps">ZONE1,</span> Kamen Stoyanov, vom 18. April bis 18. Mai 2008 mit einer Einzelausstellung im <span class="caps">MUMOK </span>zu sehen sein. ,,Es ist uns sehr wichtig, der >VIENNAFAIR< nicht nur den privaten SammlerInnen ein Forum zu bieten, sondern auch den für die Entwicklung der Szene so wichtigen Austausch zwischen Galerien und Museen zu fördern", erläutert Daniela Hinterhölzl, Exhibition Manager der >VIENNAFAIR< die Beweggründe für diese Initiative.</p> <p>Starke Kooperation mit österreichischen Kunstinstitutionen <br /> Nicht nur für die <span class="caps">ZONE1, </span>auch im Informationsbereich der >VIENNAFAIR< werden die Kooperationen mit Museen und Kunstinstitutionen fortgeführt.<br /> Im Rahmen der erweiterten Kooperation präsentieren sich die Kunstinstitutionen im Rahmen der >VIENNAFAIR<, legen ihren Aussendungen einen Gutschein für einen ermäßigten Eintritt zur >VIENNAFAIR< bei oder gewähren >VIENNAFAIR<-Besuchern während der Messe Gratis- bzw. ermäßigten Eintritt in die jeweilige Einrichtung. Folgende Institutionen beteiligen sich derzeit an dieser Kooperation: Albertina, Wien, BA-CA Kunstforum, Wien, lower austria contemporary (kunst im öffentlichen raum niederösterreich, <span class="caps">KUNSTRAUM NOE,</span> Kunsthalle Krems, NÖ Landesmuseum, Art/Brut Center Gugging, Hermann Nitsch Museum im Museumszentrum Mistelbach), <span class="caps">KUNSTHALLE </span>wien, kunsthistorisches museum wien, <span class="caps">MAK </span>Österreichisches Museum für angewande Kunst/Gegenwartskunst, Universität für angewandte Kunst, Wien, <span class="caps">MUMOK</span> Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, <span class="caps">SAMMLUNG ESSL,</span> Klosterneuburg, <span class="caps">EVN</span> Sammlung, Maria Enzersdorf und Kulturkontakt Austria, Wien.</p> <p>Kunstinstitutionen aus Ost- und Südosteuropa auf der >VIENNAFAIR<<br /> Wie schon in den ersten beiden Jahren, sollen auch Kunstinstitutionen aus dem Ausland sowie aus Ost- und Südosteuropa die Möglichkeit bekommen, sich im Zuge der >VIENNAFAIR< dem Publikum zu präsentieren. </p> <p>Preis für die beste Standgestaltung<br /> Natürlich bemühen sich die teilnehmenden Galerien um eine attraktive Standgestaltung auf der Kunstmesse. Als zusätzlicher Anreiz wird bei der >VIENNAFAIR 2008< zum dritten Mal der >VIENNAFAIR <span class="caps">GALERIENPREIS</span>< der Wirtschaftskammer Wien vergeben. Der Preis ist mit 5.000 Euro dotiert und wird im Rahmen der Vernissage am 23. April 2008 von Brigitte Jank, Präsidentin der Wirtschaftskammer Wien, verliehen. </p> <p>Programm für Sammler und Interessierte: Die Sonderprogramme der >VIENNAFAIR 2008<<br /> Über ein speziell entwickeltes Programm während der Messe und durch Museumsbesuche und Sonderführungen wird die >VIENNAFAIR< wieder rund 200 internationale Kunstsammler nach Wien bringen und damit eine wichtige Basis für den wirtschaftlichen Erfolg der teilnehmenden Galerien schaffen. Ein Vortragsprogramm und Präsentationen von Kunstinstitutionen aus Österreich und Osteuropa runden das vielfältige Angebot der >VIENNAFAIR 2008< ab. (+++)</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1406 Exhibition: Apocalyptic Renovation / Where is the Lady with the Au`deourves? <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">March 7 - May 3, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, March 7, 6:30 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1319"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/15/15706.jpeg" alt="Fred Fleisher" height="624" width="500" /></a> <p><p>Fred Fleisher</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>"Apocalyptic Renovation" - "Where is the Lady with the Au`deourves?"</p> <p>Plurimedialität, Mono- und Polychromie, Humor und Ernsthaftigkeit. Dem Konzept der galerie <span class="caps">OPEN </span>entsprechend, bilden Offenheit und Kontraste die Leitmotive der aktuellen Ausstellung mit Werken von Fred Fleisher und Trevor Guthrie. Doch werden bei näherer Betrachtung neben den vordergründigen Unterschieden schnell die gemeinsamen Konstanten beider Werke deutlich. In sich zwar abgeschlossen und eigenständige Werkkomplexe darstellend, ermöglicht die Zusammenschau der Werke dieser Künstler zusätzlich den Versuch einer Reflektion über die zeitgenößischen Möglichkeiten der künstlerischen Auseinandersetzung mit Realität.</p> <p>Fred Fleisher</p> <p>Der 35-jährige New Yorker Fred Fleisher steckt in seinem Werk die Grenzen des Alltäglichen ab. Indem er alltägliche, eher als trivial erscheinende Objekte, wie beispielsweise Spielzeug und Puppen mithilfe diverser Techniken z.B. die der Montage in neue Kontexte und Sinnzusammenhänge bringt, stellt er unsere konventionellen Sehweisen und Bedeutungszuweisungen in Frage. Durch den Bruch und die daraus entstehende semantische Leerstelle erwachsen erstaunliche Sinnzusammenhänge, die auf der Ebene zwischen Humor und Ernst oszillieren.<br /> Das Moment der Bewegung, der Fluktuation wird auch in den Zeichnungen deutlich, die mit Hilfe von ferngesteuerten Autos angefertigt werden. Indem der Künstler seine Kontrolle im Entstehungsprozess minimiert, schafft er gleichzeitig Raum für unvorhergesehene Entwicklungen und Tendenzen.</p> <p>Trevor Guthrie</p> <p>Der in Schottland geborene und zur Zeit in der Schweiz lebende Künstler Trevor Guthrie, scheint auf den ersten Blick eine völlig andere Richtung einzuschlagen als Fleisher.<br /> Seine Kohlezeichnungen sind weitgehend monochrom und oftmals in photographisch-realistischer Art ausgeführt. Bei genauerer Betrachtung erchließen sich Einem jedoch die zahreichen Gemeinsamkeiten:<br /> Konstitutives Element in Trevor Guthries Werk ist die Verwendung von Photographien, die er in einem komplexen Prozess auf den Bildträger bringt. Er spielt mit der Realität und seiner künstlerischen Umsetzung, Gewohnheit und Irritation.<br /> Durch perspektvische Streckung und Verkürzung der Bildproportionen, subtiler Auflösung der Form und nebulös erscheinender Verwischung der Konturen wird das Dargestellte verfremdet. Verweise auf Gerhard Richter und Francis Bacon werden deutlich.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1319 Exhibition: Street life - NY stories <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">January 17 - March 1, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, January 17, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1257"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/29/29181.jpeg" alt="Simone Gaon, Butchers, 2006, oil on canvas, 50 x 58 inch" height="467" width="500" /></a> <p><p>Simone Gaon, Butchers, 2006, oil on canvas, 50 × 58 inch</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 17. Januar 2008 bis zum 01. Marz 2008 die Ausstellung ,,Street life - NY stories" mit Werken von Simon Gaon zu präsentieren.<br /> Die Eröffnung findet am Donnerstag, den 17. Januar 2008 statt. Der Künstler wird anwesend sein.</p> <p>Das Werk Gaons ist stark mit seiner Heimatstadt New York verknüpft. <br /> Die in der galerie <span class="caps">OPEN </span>ausgestellten Werke legen den Fokus auf Gaons Portaits New Yorker Bewohner.<br /> Menschen in ihrem städtischen Kontext sind die dominierenden Motive dieser Serien. In dieser Auseinandersetzung mit New York und deren Bewohnern, in diesem Bemühen einen künstlerischen Ausdruck für die Alltagserfahrungen und den Charakter dieser Stadt zu finden, scheut der Künstler auch vor den weniger schönen Seiten der Stadt nicht zurück, vor den an den sozialen Rand gedrängten.<br /> Die Gemälde sind von expressionischter Manier, mit schnellem, grobem Pinselduktus gemalt, die Farben pastellös aufgetragen.<br /> Die häufig verwendeten Primärfarben, die in starkem Kontrast zueinander gesetzt werden, verstärken die den Gemälden inhärente Dynamik und Vitalität und formen die Ästhetik der modernen Konsumgesellschaft in eine künstlerische Bildsprache und Stilistik um. <br /> Aufgelöste, deformierte Formen, die jedoch nie vollkommen ins Abstrakte gehen, führen zu einer Verschmelzung von Mensch und Umgebung. Es entsteht ein wildes, chaotisches Bildgefüge, eine Verbindung von Bewohner und Stadt und gleichzeitig eine unmittelbare Sogwirkung, die den Betrachter in das imaginierte Geschehen hineinzieht.<br /> Gaons Gemälde bannen das Lebensgefühl New Yorks, ihre Lebendigkeit, ihre Kraft, gleichzeitig aber auch ihre Brutalität und ihr Chaos in Momentaufnahmen auf Leinwand. Letzterer Aspekt wird vor allem auch in jenen Portraits deutlich, in denen sich der Maler ganz auf die Portraitierten konzentriert. Nachdenklich und verletzbar wirkend, werfen sie Fragen nach der Position des Menschen in unserer immer schneller werden Gesellschaft, für die New York eine Metapher ist, auf.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1257 Exhibition: Christian Rothenhagen / deerBLN - ABRISS <div class="exhibition-subtitle">Finissage am Samstag, den 12.01.2008 um 19 Uhr</div> <div class="exhibition-dates">November 16, 2007 - January 12, 2008</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, November 16, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Deutsche Version unten.</p> <p>Skateboarding, Graphic Design, Illustration - these forms of expression are linked in an almost classical way with today's ,,Street" -culture. For more than two decades by now, skateboarding has accompanied the life of Christian Rothenhagen - the guy behind deerBLN - directed his interest towards illustration and design - and originated the small, unexcited work/label/output ,,deerBLN".<br /> This moniker corresponds to himself, his buddies and a small circle of interested people - and to the city, the influence of which can in no way be absent from the artwork of Christian Rothenhagen.<br /> It's also the vision of a Berliner referring to urban changes. And a ,,THANK <span class="caps">YOU</span>" to the old wall-city.</p> <p>The works of Christian Rothenhagen confront his urban surroundings - the decay, conurbation and agglomeration. The style in which he presents his works is a cross over of design and art. He lets his viewers enter the street life of Berlin. The drawings one gets to see, is a map of Berlin, the way it is and what is becoming of it. It is as if you are experiencing the inside, feeling the edges and viewing the so-called dark corners known as the desolate and unfriendly urban areas. Christian relates to his city and shows the changes and fragments. To realize the demolition of a building, which has guided him through his youth and a new one, is arising at the same spot shows the development the city is experiencing. </p> <p>Opening reception at the gallery is Friday, November 16th 2007 at 7pm. For more information please contact Alexandra Rockelmann. Tel: 030 - 27582810</p> <p>------------------------------------------------------------</p> <p>Skateboarding, Graphik Design, Illustration - beinahe klassisch sind diese Ausdruckformen mit der heutigen "Street" Kultur verwoben. Seit mehr als zwei Jahrzehnten hinweg begleitet Skateboarding das Leben von Christian Rothenhagen, lenkte das Interesse auf Illustrationen und Design - und führte u.a. zu dem kleinen, unaufgeregten Output "DeerBLN".<br /> Für sich, seine Buddies und einen stetig wachsenden Kreis von Interessierten ist dieser Moniker gedacht - und für die Stadt, deren Einfluss aus dem Artwork von Christian Rothenhagen nicht wegzudenken ist. Es ist auch der Blick eines Berliners auf die Veränderungen seiner Stadt. Und ein Dankeschön an die alte Wall-City. </p> <p><span class="caps">ABRISS </span>wird zum Thema der Ausstellung in der galerie <span class="caps">OPEN, </span>da sich der Künstler mit der Architektur auseinander setzt, Architektur aus verschiedener Zeit.</p> <p>Christian Rothenhagen bewegt sich in seiner Arbeit auf der Grenze zwischen Design und Kunst. Seine Werke sind geprägt vom Lebensgefühl der Groß-Stadt - Urbanität als lifestyle aber auch als Denkmodell. Dabei ist Berlin unverkennbar seine home base - so dokumentiert er die Transformationsprozesse ,,seiner" Stadt - den Abriss, aber auch den Aufbau - in seinen Illustrationen, Installationen...etc.<br /> Die Eröffnung wird am Freitag, den 16. November 2007 um 19 Uhr stattfinden. Für weitere Informationen kontaktieren Sie bitte Alexandra Rockelmann. Tel: 030 - 27582810.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1166 Exhibition: Stockartist <div class="exhibition-subtitle">Plug-In</div> <div class="exhibition-dates">October 12 - November 10, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, October 12, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1138"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/10/10618.jpeg" alt="DHAdmann - installation shot" height="375" width="500" /></a> <p><p><span class="caps">DHA</span>dmann - installation shot</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>english version below</p> <p>Stockartist<br /> Plug-In <br /> 12. Oktober - 10. November 2007</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich vom 12. Oktober bis zum 10. November 2007 die Ausstellung Stockartist plug in zu zeigen. Die Eröffnung wird am 12. Oktober 2007 stattfinden und Kunstwerke von 12 Künstlern aus acht Ländern präsentieren - die Arbeiten wurden speziell für die Ausstellung kreiert.</p> <p>Stockartist - ein konzeptionell neues und interaktives Geschäftsmodell für den zeitgenössischen Kunstmarkt - ist eine Initiative des Künstlers <span class="caps">DHA</span>dmann. Das Projekt kombiniert charakteristische Kunstwerke, das world wide web und Institutionen, um Kunst einem größeren Publikum zu präsentieren. Ziel ist eine veränderte Wahrnehmung von Kunst und die Etablierung eines demokratischen und unkonventionellen Marktes, um Kunstwerke zu kaufen, zu verkaufen, zu versteigern und auszutauschen.</p> <p>Die Internet-Plattform von Stockartist stellt eine spielerische Networking-Umgebung her - eine web 2.0 - Alternative für Kunstliebhaber. Die Mitglieder können sich in communities zusammenschließen, Informationen und Meinungen austauschen und mit artstocks handeln. Aber primär geht es um gute Investitionen. </p> <p>Die bei Stockartist gehandelten Kunstwerken müssen drei spezifische Wesensmerkmale aufweisen: sie müssen erschwinglich, in bestimmter Quantität und leicht zu transportieren sein. Abgesehen davon können die so genannten ,,artstocks" in jedweder Form kreiert werden: als sticker, Photos, Zeichnungen, CDs, Steine, T-Shirts etc... Die Rolle des Künstlers innerhalb dieses Projektes ist ähnlich der eines börsennotierten Unternehmens. <br /> Die teilnehmenden Künstler sind: Angel Santiago Plata (Malerei - Spanien), Antonio Fernandez (mixed media - Spanien), Armando Angeles (Malerei - Mexiko), Iraida Lombardia (Photographie - Spanien), Joel Cardoso (mixed media - Portugal), Miguel Avila (Malerei - <span class="caps">USA</span>), Myritza Castillo (Video - Puerto Rico), Nicoletta Papamichael (Zeichnung - Zypern), Salome Rodriguez (mixed media - Kolumbien) und Initiator <span class="caps">DHA</span>dmann (mixed media - Mexiko).</p> <p> Die Intention von Stockartist ist ein Paradigmenwechsel im zeitgenössischen Kunstmarkt, um Kunst von seiner ätherischen Aura zu befreien. Es stellt die Wichtigkeit der institutionellen Welt hinsichtlich der Kunst in Frage und sucht alternative Wege, um Kunst einem breiteren Publikum zugänglich zu machen.</p> <p>Die Eröffnung wird am Freitag, den 12. Oktober 2007 um 19 Uhr stattfinden. Für weitere Informationen kontaktieren Sie bitte Alexandra Rockelmann. Tel: 030 - 27582810.</p> <p>-------------------------------------</p> <p>Stockartist <br /> Plug-In<br /> 12. October - 10. November 2007</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>is pleased to announce the exhibition stockartist - plug-in in Berlin from October 12th until November 10th 2007. The <span class="caps">OPEN</span>ing will be held on October 12th 2007 and will display artworks of 12 artists from 8 different countries - each piece has been created especially for this show.</p> <p>Stockartist is a conceptual, interactive and participative new business model for the contemporary fine art market, which was initiated by the artist <span class="caps">DHA</span>dmann. This projects combines characteristic artworks, the world wide web and institutions to present contemporary art to a larger audience. Its aim is to change the perception of art and to create a democratic and fun way to buy, sell, auction and interchange art pieces.</p> <p>The Internet platform of Stockartist creates a networking - game environment - a web 2.0 alternative for artlovers. Its members can conform communities, provide information, publish opinions, interchange artstocks and more. But first of all they can make good investments.</p> <p>The type of artwork offered in Stockartist needs to have some characteristics in order to be democratic: Affordability, quantity and transportability. Despite this these so called "artstocks" can be anything: stickers, postals, photos, drawings, cd's, stones, cartons, t-shirts etc... The artist's role within this project is similar to the one of a company in the StockExchange Market. Artists participating in plug in the art are: Angel Santiago Plata (paintings - Spain), Antonio Fernandez (mixed media - Spain), Armando Angeles (paintings - Mexico), Iraida Lombardia (photography - Spain), Joel Cardoso (mixed media - Portugal), Kathrin Bauer (installation - Germany), Luisa Posada (mixed media - Colombia), Miguel Avila (paintings - <span class="caps">USA</span>), Myritza Castillo (video - Puerto Rico), Nicoletta Papamichael (drawing - Chipre), Salome Rodriguez (mixed media - Colombia) and the initiator <span class="caps">DHA</span>dmann (mixed media - Mexico).</p> <p>Stockartist's intention is to establish new paradigms in the actual artmarket - separating the commoditization and ethereal parts of the arts. It is an invitation to question the importance of the institutional world in the meaning of the art and also to find alternative ways to make art available to a bigger audience.</p> <p>Opening reception at the gallery is Friday, October 12th 2007 at 7pm. For more information please contact Alexandra Rockelmann. Tel: 030 - 27582810</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1138 Exhibition: BERLINER LISTE 2007 <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">September 30 - October 3, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Saturday, September 29, 6:00 PM - 12:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1165"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/10/10961.jpeg" alt="view of the booth" height="375" width="500" /></a> <p><p>view of the booth</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1165 Exhibition: Franziska Klotz, Vanessa von Heydebreck - feel real - real feel <div class="exhibition-subtitle">paintings and drawings</div> <div class="exhibition-dates">September 6 - October 6, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, September 6, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1098"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/29/29156.jpeg" alt="Franziska Klotz, U-Bahn, 2007, Mischtechnik auf Leinwand, 230 x 195 cm" height="503" width="424" /></a> <p><p>Franziska Klotz, U-Bahn, 2007, Mischtechnik auf Leinwand, 230 × 195 cm</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Franziska Klotz - Vanessa von Heydebreck<br /> feel real - real feel<br /> paintings and drawings<br /> 6. September - 6. Oktober 2007</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 6. September bis zum 6. Oktober 2007 die Ausstellung feel real/real feel - paintings and drawings der Künstlerinnen Franziska Klotz und Vanessa von Heydebreck zu präsentieren. Die Eröffnung wird am 6. September 2007 stattfinden - die Künstlerinnen werden anwesend sein. <br /> Franziska Klotzs Leinwandarbeiten sind Momentaufnahmen - Schnappschüsse oder auch Bruchstücke des alltäglichen Lebens. Betrachtet man ihr Werk aufmerksam, so rauscht das Ohr und flackert das Auge - ausgelöst durch ihre Maltechnik, die ein Wechselspiel von gespachteltem und gepinseltem Farbauftrag, minimalen graphischen Elementen und Sprühtechnik ist. Diese Irritationen halten das Auge ständig in Bewegung und ziehen den Betrachter in den Bildraum ihrer Werke.<br /> Ihre figurativen Motive haben keine portraitierende Aufgabe - sie dienen vielmehr als Bezugspunkt. Ihre Bilder bewegen sich auf dem Scheitelpunkt von individueller Interpretation und Abbild der Realität, vom Gegenständlichem und Abstraktem.</p> <p>Die Zeichnungen Vanessa von Heydebrecks sind zutiefst persönliche Zeugnisse ihrer Gedankenwelt. Sie scheut sich nicht ihre intimsten oder auch allerbanalsten Gedanken zu Papier zu bringen. Für die Künstlerin ist jede Idee und jeder Gedankenblitz wert abgebildet zu werden: Ich zeichne was ich denke, was ich betone, was ich lerne, was ich bedaure, was ich mir wünsche und was gerade an meinem Fenster vorbei geflogen ist. Ich zeichne meine Ängste, meine Träume, meine Freunde, Deine Freunde, eine Kaffeekanne.<br /> Voller Humor und Selbstironie zeichnet von Heydebreck verworrene Ideenkonstrukte oder schlichte Momentaufnahmen - und gewährt dem Betrachter bedingunslosen Zutritt in das Rauschen ihrer Gedankenwelt.<br /> Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Donnerstag, den 6. September 2007 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information erhalten Sie durch Alexandra Rockelmann Tel. 030 - 27 58 28 10.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1098 Exhibition: JEDEM SEIN NAPOLEON <div class="exhibition-subtitle">FRAGMENTE DER ERINNERUNG</div> <div class="exhibition-dates">August 17 - August 17, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, August 17, 8:00 PM - 12:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/1097"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/9/9389.jpeg" alt="JEDEM SEIN NAPOLEON" height="375" width="500" /></a> <p><p><span class="caps">JEDEM SEIN NAPOLEON</span></p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Bis ins 18. Jahrhundert bezeichnet der französische Begriff ,,souvenir" mentale Akte der Erinnerung an Abwesendes.</p> <p>An der Schwelle zum 19. Jahrhundert verschiebt sich die Wortbedeutung zu einem ,,denken an", einem zum Andenken geschenkten Gegenstand.</p> <p>Die deutschen Begriffe ,,Andenken" und ,,Souvenir" bezeichnen fortan zweierlei: einerseits ein intimes Andenken mit persönlicher Handschrift, andererseits das käuflich zu erwerbende, touristische Souvenir.</p> <p>Als Fragmente einer Erinnerung besitzen Andenken und Souvenir die Fähigkeit, die in ihnen enthaltene Geschichte überraschend wiederzubeleben. </p> <p>Kann diese Geschichte bereits durch das denken-an das Andenken wachgeküsst werden ohne dass jenes materiell greifbar ist?<br /> Brauchen Souvenirs eine persönliche Geschichte oder kann auch ein unbedachtes Objekt ein Andenken sein?</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/1097 Exhibition: Jeffrey Teuton - Dracula, a Snake, and Narcissus walk into a bar <div class="exhibition-subtitle">Paintings and notebooks</div> <div class="exhibition-dates">May 24 - August 15, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, May 24, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/892"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/7/7802.jpeg" alt="Jeffrey Teuton" height="375" width="500" /></a> <p><p>Jeffrey Teuton</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>english version below</p> <p>Jeffrey Teuton<br /> Dracula, a Snake and Narcissus walk into a bar...<br /> paintings and notebooks<br /> 24. Mai - the show is better than cats, so with it is up until 15. August 2007</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 24.Mai bis zum 07. Juli 2007 die Arbeiten des Künstlers Jeffrey Teuton in der Ausstellung Dracula, a Snake and Narcissus walk into a bar... zu präsentieren. Die Eröffnung findet am 24.05.2007 statt. Der Künstler wird anwesend sein.<br /> Dracula, die Schlange und Narcissus sind Kreaturen, die im Werk Jeffrey Teutons repräsentativ für Menschen aber auch Mächte und Kräfte stehen, die ihm im Laufe seines Leben begegnet sind und ihn sogar begleitet haben. Manchmal wurden sie zu Stammgästen in seiner persönlichen Hausbar und wetteiferten um seine Aufmerksamkeit.<br /> Teuton spielt in seinen Werken aber nicht den Unschuldsengel - im Gegenteil: er selbst stilisiert sich stets als Teil der Party - als Egozentriker, der nur nimmt, aber niemals gibt, als den alles und zugleich Verschlingenden und als den auto-amourösen Geck! Diese Wesen sind seine Maskerade, die ihn für das Bestehen in der Gesellschaft bewaffnen und munitionieren sollen.<br /> In seiner glamour trash - fuck off-Malerei führt Teuton die Kämpfe und Flüchte dieser Wesen auf die Spitze, es kommt zu einer grandios-royalen Bar-Schlacht, und erst aus den Reihen der Toten wird der Champion gekürt. Das so Entstandende - ,,der neue Mensch" weiß um seine Ursprünge und wird sich seiner selbst bewußt . In den Worten des Künstlers: ,, It is part destruction, a bit creation but comes with knowing and accepting there will always be a little snake slithering around when things can get a bit draculated."<br /> Die notebooks und polaroids sind die bild-textlichen Tagebücher des Künstlers - hier offenbart er seine alltäglichen und persönlichen Belange. Die Arbeiten präsentieren die Achterbahnfahrten seines Lebens der letzten zehn Jahre - von New York nach LA und weiter...<br /> In seiner Malerei führt Jeffrey Teuton den Betracher zum finale furioso - denn Dracula, die Schlange und Narcissus gehen in eine Bar and finally let go...<br /> Jeffrey Teuton: ,,... Like falling into a hole wearing a nice Gucci outfit and trying to claw your way out holding a glass of champagne." - in diesem Kontext stehen seine Arbeiten.<br /> Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Donnerstag, den 24.05.2007 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information erhalten Sie durch Alexandra Rockelmann Tel. 030 - 27 58 28 10</p> <p>---------------------------------------------------------------------------</p> <p>We are pleased to announce the first solo exhibition of Jeffrey Teuton in Berlin Dracula, a Snake, and Narcissus Walk Into a Bar... from May 24th - the show is better than cats, so with it is up until 15. August 2007. The <span class="caps">OPEN</span>ing will be held on May 24th 2007 and the artists will be present. </p> <p>Dracula, the Snake and Narcissus, are "creatures" which can be found in the works of Jeffrey Teuton. These creatures represent people and forces that have crossed his path and orbited around him over time. More frequently these beings have been coming in to the artists "bar" and have been competing for face time. One needs to understand that Jeffrey is not playing the sheep here. He has spent his share of time dressed up as the characters one can see at the party and can also be found in his glamour trash - fuck off images. These situations accompanied with character traits consist of; the one who takes and takes but wont let go, the one who just devours whole, and the one so in love with himself - all these three self chosen behaviours can be found in the recent and past paintings, of the questioning artist. These beings represent the masks used for ammunition in society. For Jeffrey they have been running and fighting and finally come to a point where critical mass has been reached. It was only in this extreme battle royal bar brawl with no winner, that a champion could emerge from the bodies of the dead. The importance for Jeffrey is that what is created knows from who he has sprung and acknowledges those parts from time to time. The artist himself describes his work as being: a part of destruction, a bit creation, but comes with knowing and accepting there will always be a little snake slithering around when things can get a bit draculated. </p> <p>The notebooks and Polaroids are the visual and textual diaries of Jeffrey Teuton, through which his personalities and casualties are exposed. These pieces cover the rollercoaster experience of the past ten years from New York to LA and beyond. The paintings bring the viewer to the finale performance as all three characters walk into that bar and finally let go. </p> <p>Jeffrey Teuton: "........ Like falling into a hole wearing a nice Gucci outfit and trying to claw your way out holding a glass of champagne." - this is the context of his works!!! </p> <p>Opening reception at the gallery with Jeffrey Teuton is Thursday, May 24th 2007 at 7pm. For further information please contact Alexandra Rockelmann 030 27582810.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/892 Exhibition: SCHALLENBERG Das Leben der Dinge <div class="exhibition-subtitle">Malerei</div> <div class="exhibition-dates">March 22 - May 19, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, March 22, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/874"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/25/25894.jpeg" alt="Kern, 2007 Öl auf Leinwand, 90 x 150 cm" height="296" width="500" /></a> <p><p>Kern, 2007<br /> Öl auf Leinwand,<br /> 90 × 150 cm</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p><span class="caps">SCHALLENBERG</span><br /> Das Leben der Dinge<br /> Malerei</p> <p>22. März - 19. Mai 2007</p> <p>Wir freuen uns, vom 22. März bis zum 19. Mai 2007 die erste Einzelausstellung von <span class="caps">SCHALLENBERG </span>in der galerie <span class="caps">OPEN </span> Das Leben der Dinge zu präsentieren. Die Eröffnung findet am 22. März 2007 statt - der Künstler wird anwesend sein.</p> <p>Der in Berlin lebende Künstler <span class="caps">SCHALLENBERG </span>komponiert seine präzise gemalten Stillleben aus gewaltig vergrößerten Alltagsgegenständen und kleineren Lebewesen. Dazu türmt und ordnet er die ausgewählten Objekte zu fragilen Konstruktionen, welche stets bedroht von der kleinsten Erschütterung am Rande eines Zusammenbruchs balancieren.</p> <p>Die ihren ursprünglich funktionalen Zusammenhängen entrissenen Einheiten werden auf einer Bühne zu einem neuen künstlerischen Kosmos zusammengestellt. Eigenartig wirkt dabei zunächst die Zusammenstellung von <span class="caps">SCHALLENBERGS</span> Ding-Arrangements - warum schwirrt eine Wespe ausgerechnet unter einer gläsernen Käseglocke? Möglicherweise aus demselben Grund, aus dem ein angeschnittener Apfel mit einer Blechdose arrangiert wird? Denkbar, denn bei näherer Betrachtung dieser Merkwürdigkeiten erkennt man die subtilen Beziehungsgeflechte der Dinge und Lebewesen untereinander. Erst in genau diesen Konstellationen enthüllen sie ihre sinnliche Materialität und erfahrbare Funktionalität und gewinnen eine Stimme. </p> <p>Entscheidend für diese Wirkung ist die vom Maler angewandte Vergrößerungstechnik, denn die Entfremdung der Gegenstände aus unserer alltäglichen Lebenswelt durch Überdimensionierung erlaubt dem Betrachter erst, sie in einem neuen Licht wahrzunehmen - nämlich als lebendiges Gegenüber.</p> <p>,,Solange der Gebrauchsgegenstand in die moderne Aufmerksamkeitsökonomie eingebunden ist, bleibt seine ästhetische Präsenz für uns eingefroren wie Wasserpflanzen im Eis. Die Malerei von Schallenberg ist die Enteisungsmaschine, in welcher sie wieder aufgetaut und zum Leben erweckt werden sollen." (Dr. Harry Lehmann, Philosoph)</p> <p>Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Donnerstag, den 22. März 2007 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information erhalten Sie durch Alexandra Rockelmann Tel. 030 - 27 58 28</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/874 Exhibition: Ellen Banks New collection of decadence - walking the streets of new york <div class="exhibition-subtitle">Project room - Zachary Fabri Dark Matter</div> <div class="exhibition-dates">January 18 - March 17, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, January 18, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/768"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/6/6863.jpeg" alt="installation shot - small dog sweaters" height="666" width="500" /></a> <p><p>installation shot - small dog sweaters</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 18. Januar bis zum 17. März 2007 die show New Collection of Decadence - walking the streets of new york von Ellen Banks zu präsentieren. Im Projektraum wird der Performance- und Videokünstler Zachary Fabri seine Arbeiten vorstellen. Die Eröffnung findet am 18. Januar 2007 statt. Die Künstler werden anwesend sein.</p> <p>Let my mind wined down and I shall do so by creating.</p> <p>Entdecken Sie die new collection of decadence. Wir präsentieren die fashion must-haves der Frühjahrskollektion 2007. Um den erbarmungslosen Ansprüchen der Designer zu genügen, müssen Sie nicht länger zu einer size zero schrumpfen. Fashion insider tragen jetzt den xxs-Hund und kleiden ihn ihn Pullover aus Naturwolle. </p> <p>Die New Yorker Künstlerin Ellen Banks hat seit dem November 2005 über 100 Hundepullover gestrickt - zumeist vor dem Fernseher - und präsentiert sie nun erstmalig in der Installation small dog sweaters in der galerie <span class="caps">OPEN </span>in Berlin. <br /> Question: So tell me what do the dog sweaters mean to you?<br /> Ellen Banks: Pure Amusement! I know a sweater will be successful if it makes me chuckle. When I began to visit yarn stores I understood Kandinsky's reaction to receiving a box of paint. To me the connection between the paintings and sweaters is strong - a limited palette and the repetition of method or form. In my paintings I have three or four methods but I have been working from music for many years - the sweaters are a result of less than a year. Of course there is a difference in the depth of concept but I consider the sweaters almost as comic relief.</p> <p>In Ihrer Malerei übersetzt Ellen Banks auf selbstgeschöpftem Papier klassische Partituren Note für Note in eine visuelle Präsentation. So entstehen geometrische Formen als Musik-Equivalente auf Oberflächen, welche das immense Schweigen des Universums wiederspiegeln. Ihre Malerei ist lebendig und geheimnisvoll. Die Strukturen erscheinen wie Gravuren, kodierte Embleme oder Hieroglyphen und evozieren im Spannungsfeld zwischen Werk und Betrachter einen direkten musikalischen Rhythmus.</p> <p>Unverkennbar in Banks Arbeiten ist der Einfluß der De-Stijl-Bewegung mit der Ästhetik des Piet Mondrian. Aber die Künstlerin verwendet ihre eigenen Quellen, die von Händel bis Cole Porter reichen. </p> <p>Die Absurdität des Alltags trägt ein Ritual in sich und zeigt den Mensch im Kontext - genau dies beinhalten die Arbeiten des New Yorker Performance- und Videokünstlers Zachary Fabri, der im Laufe der Ausstellung zu Tiefsinn und einfach das Leben zu gestalten mit Strick-Exzessen vor der Glotze finden einen common ground in galerie <span class="caps">OPEN.</span></p> <p>Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Donnerstag, den 18. Januar 2007 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information erhalten Sie durch Alexandra Rockelmann Tel. 030 - 27 58 28 10.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/768 Exhibition: Asya Reznikov Übersetzung <div class="exhibition-subtitle">experiencing nostalgia - EXTENSION until 12th of January 2007</div> <div class="exhibition-dates">November 10, 2006 - January 12, 2007</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, November 10, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/765"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/5/5506.jpeg" alt="OPENing evening - tower of Babel and back home series photo: Matthew Breinich " height="333" width="500" /></a> <p><p><span class="caps">OPEN</span>ing evening - tower of Babel and back home series<br /> photo: Matthew Breinich</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>english version below</p> <p><span class="caps">FOR IMMEDIATE PRESSRELEASE</span></p> <p>Asya Reznikov<br /> Übersetzung<br /> experiencing nostalgia</p> <p>10. November 2006 - 12. Januar 2007</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 10.11.2006 bis zum 06.01.2007 die Arbeiten der New Yorker Künstlerin Asya Reznikov, Stipendiatsträgerin des <span class="caps">DAAD</span> 2006/2007 mit einem zehn-monatigen Berlin-Aufenthalt, in der Ausstellung Übersetzung zu präsentieren. Die Eröffnung findet am 10.11. 2006 statt und die Künstlerin wird anwesend sein.</p> <p>Asya Reznikov beschäftigt sich in ihrem Werk mit der kulturellen Sozialisation des Menschen und geht der Frage nach, inwieweit diese gesellschaftliche und sprachliche Prägung die Realitätswahrnehmung in der Fremde beeinflusst. In ihren Photographien und Videoinstallationen verbindet sie unterschiedliche kulturelle Realitäten, konfrontiert das Eigene mit dem Anderen und kreiert so eine Pseudo-Wirklichkeit, die nur als psychologischer Raum, als Nostalgie existiert.</p> <p>Die Nostalgie als wiederkehrendes Motiv erklärt sich aus der Biographie der Künstlerin, die als Kind mit ihren Eltern aus der ehemaligen Sowjetunion in die Vereinigten Staaten von Amerika flüchtete und sich dort einer völlig neuen Lebenswelt, Sprache und Kultur gegenüber fand. In der Serie Translation wird die kindliche Sehnsucht nach Integration und Anerkennung deutlich. Die Photographien zeigen die unmögliche Idee, daß Flügel mit Wörterbuchfedern befähigen, Kulturen und Sprachen zu verstehen, wobei das Medium der Photographie assoziiert wird mit der Darstellung von Wahrheit. </p> <p>Aber die Entfremdung vom eigenen Selbst findet nicht nur außerhalb der eigenen Heimat statt, sondern ist präsent von Geburt an. In der <span class="caps">D.O.B</span> Serie wird der Betrachter Zeuge, wie die Sozialversicherungsnummern der Individuen kodiert und wie ein Stigma auf das menschliche Antlitz plaziert werden. Die Übersetzung erfolgt durch eine Nummer und nicht durch das offensichtlich menschliche Erscheinungsbild. </p> <p>Das Empfinden der eigenen Kultur als Hindernis, das es zu überwinden gilt, um die fremde Kultur zu verstehen, das Gefühl der Fremdheit, the moment of adjustment nach der Suche der Zugehörigkeit wird durch ihre Arbeiten transportiert. Erfundene Städte mit realer und fiktiver Architektur: Häuser, Brücken, Monumente, Denkmäler etc. werden zu einem melting pot of impressions in der Malerei der Künstlerin. </p> <p>So begibt sich die Künstlerin in der Video Installation Packing in die Rolle der Reisenden, die in dem Raum zwischen Start und Ziel schwebt und darüber zu entscheiden hat, was sie mit in die Fremde nimmt, um Zugang zu finden.</p> <p>Künstlerisch besonders wichtig ist dabei die Auseinandersetzung mit Sprache und Kommunikation, welche in der show ,,Übersetzung" kumuliert in der Rauminstallation Tower of Babel. Diesem Mythos zufolge sprach die Menschheit nur eine universelle Sprache, die ihnen von Gott als Bestrafung für Ungehorsam genommen wurde.</p> <p>Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Freitag, den 10.11.2006 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information erhalten Sie durch Alexandra Rockelmann Tel. 030 - 27 58 28 10.</p> <p>--------------------------------------------</p> <p>Asya Reznikov<br /> Übersetzung<br /> experiencing nostalgia</p> <p>10. November 2006 - 12. January 2007</p> <p>We are pleased to announce the first solo exhibition Übersetzung in Berlin of Asya Reznikov, scholar of the <span class="caps">DAAD</span> 2006/2007 graduate fellowship, at galerie <span class="caps">OPEN. </span> The multi-media artist from New York will be showing her recent work and the <span class="caps">OPEN</span>ing will be held on the 10.11.2006. The artist will be present.</p> <p>Asya Reznikov explores human relationship to language, culture and travel through creating installations, which incorporate video, photography, audio, kinetic sculpture and drawing. She is interested in how language and culture precede human kind shaping their perception and understanding of reality. Through her work she explores different aspects of foreignness as personal identity, language, culture, emigration and immigration.</p> <p>In her works she combines different cultural realities, confronting the self with the other and creates so with a pseudo-reality, that exists in a psychological space - nostalgia.<br /> The interest in language and culture has to do with her personal cultural upbringing. Coming to the United States as a political refugee as a child has made her particularly aware of her cultural identity.</p> <p>In Translation, a series of photographs, the images propose the impossible idea that translation dictionary pages allow one to understand foreign cultures and languages, while the photographic medium is associated with the representation of truth.</p> <p>The foreignness to oneself takes also place in a familiar surrounding known to us as home. In the series <span class="caps">D.O.B. </span>the person's social security number has been translated into its bar code and superimposed onto its owner's portrait. </p> <p>In her video installation Packing Asya Reznikov invites the viewer to look inside a suitcase, in which there is a projection of her packing items into that very suitcase. One becomes part of a space, a transition that precludes stopping, shared by all people from all cultures when they travel.</p> <p>Her investigation of foreignness climaxes in the exhibition Übersetzung in the installation Tower of Babel. In this myth humanity speaks one language and as a punishment for their insolence, god conflates this universal language.</p> <p>"Ironically, now people of various nationalities are desperately trying to preserve their respective languages in an effort to maintain their cultural identity, nationality and individuality. What was once seen as a curse is now an attribute." (Asya Reznikov)</p> <p>Opening reception at the gallery with Asya Reznikov is Friday, November 10th 2006 at 7pm. For further information please contact Alexandra Rockelmann Tel. 030 27582810.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/765 Exhibition: Katherine Newbegin Warteraum / Waiting room <div class="exhibition-subtitle">Tapetenwechsel</div> <div class="exhibition-dates">September 8 - November 4, 2006</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, September 8, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/767"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/5/5170.jpeg" alt="Installation shot, Katherine Newbegin, Warteraum/Waiting room, 2006" height="267" width="333" /></a> <p><p>Installation shot, Katherine Newbegin, Warteraum/Waiting room, 2006</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Katherine Newbegin<br /> Warteraum / Waiting room<br /> Tapetenwechsel</p> <p>08. September - 04 Novemeber 2006</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 08.09. bis zum 04.11.2006 die Arbeiten der Künstlerin Katherine Newbegin in der Ausstellung Warteraum/Waiting room zu präsentieren. Die Eröffnung findet am 08.09. 2006 statt.</p> <p>Die Photographien der New Yorker Künstlerin Katherine Newbegin zeigen passing through spaces - temporary spaces. Seien es verlassene Hotels, Kinos, Cafes oder Anstalten: die grundlegende Thematik ihrer Bilder ist die Abwesenheit der Menschen, die zwar nur vordergründig ist, aber die Spuren ihres Lebens subtil spürbar machen. <br /> Katherine Newbegin hat diese zurückgelassenen Spuren menschlichen Daseins in den <span class="caps">USA,</span> Cuba, Rumänien, Polen und Deutschland recherchiert. Jedes Land stellte ein neues Projekt dar, umso überraschender sind die globalen Gemeinsamkeiten der verstrichenen Zeit, die aufgrund der hinterlassenen Relikte nicht nur spürbar, sondern sichtbar werden. </p> <p>Katherine Newbegin photographierte die Räume in genau dem Zustand, in dem sie sie vorfand. Sie hat nichts arrangiert oder verändert, daher wirken ihre Arbeiten unmittelbar auf den Betrachter. Sie erfassen die menschliche Beziehungen, die in diesen Räumlichkeiten einst stattfanden. Sie sind höchst emotional und zeitenverbindend.</p> <p>Die Architektur der öffentlichen Orte spricht die Allgemeinheit an, jedoch beherbergt bzw. beherberte sie Individuen, die gewisse Leistungen erbringen müssen bzw. mußten, um diese Orte zu bewohnen. Sei die Leistung eine mentale Störung, der finanzielle Ausgleich oder eine Befriedigung der Sinne. So wird der public space zum domestic space, mit individuellen Spuren und unzähligen Geschichten.</p> <p>Verbindend ist auch, daß ihre Arbeiten ausschließlich Orte dokumentieren, die einst Schauplatz menschlicher Fürsorge waren. Denn nicht nur in Hotels oder Cafes werden Gäste umsorgt, sondern auch Irrenanstalten kümmern sich um das Wohl ihrer Patienten. It's a vacation of the mind.</p> <p>Beim Betrachten ihrer Arbeiten drängt sich folgende Frage auf: What happened? Wer oder was hat hier gewohnt? Wieso? Und zu guter letzt: Wieso steht es jetzt leer? Wer war der Letzte, der endültig die Tür geschlossen, der endgültig goodbye gesagt hat?</p> <p>Katherine Newbegins Arbeiten sind Porträts nicht sichtbarer aber spürbarer Individuen.</p> <p>Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Freitag, den 08.09.2006 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information erhalten Sie durch Alexandra Rockelmann Tel. 030 - 27 58 28 10</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/767 Exhibition: summer group show <div class="exhibition-subtitle">Umgebung, Fläche, Raum</div> <div class="exhibition-dates">July 7 - August 31, 2006</div> <div class="exhibition-opening">Opens Friday, July 7, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/816"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/5/5540.jpeg" alt="main gallery - Jeffrey Teuton, Mirko Schallenberg, Michaele Brüll, Oliver Zabel" height="375" width="500" /></a> <p><p>main gallery - Jeffrey Teuton, Mirko Schallenberg, Michaele Brüll, Oliver Zabel</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>summer group show<br /> Umgebung, Fläche, Raum</p> <p>07.Juli - 31.August 2006</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 07.07.2006 bis zum 31.08.2006 die summer group show mit Künstlern der Galerie und eingeladenen Künstlern zu präsentieren. Die Eröffnung findet am Freitag, den 07.07.2006 um 19 Uhr statt.</p> <p>Die Künstler der galerie <span class="caps">OPEN </span>leben und arbeiten vorwiegend in Berlin und New York. So sehr ihre Kunstidiome untereinander differieren, so ausgeprägt verbindend ist der Einfluss der Großstadt spürbar in ihren Werken. Umgebung, Fläche und Raum werden eins und kreieren eine Plattform des interkulturellen Austausches. Diese unterschiedlichen Stimulanzien der Kunst fügen sich in den Räumlichkeiten der galerie <span class="caps">OPEN </span>zu einem und sind sichtbar in der summer group show.</p> <p>Das Leben in der Metropole New York ist Thema der Malerei von Simon Gaon und Jeffrey Teuton. Das Straßenleben, die Umgebung, die Atmosphäre in Chinatown, die Gerüche des fish market werden von Gaon wild-expressiv auf die Leinwand gebracht. Jeffrey Teutons Arbeiten zeigen Details des Großstadtlebens: Pop-Kultur, Sex, Shopping, Drogen kombiniert er mit zwitschernden Vögeln und kleinen Häschen und zeigt so die Gewalttätigkeit und Dekadenz der Großstadt.</p> <p>Die Photographien Katherine Newbegins entstanden in verlassenen Hotelzimmern. Die Abwesenheit der Menschen ist nur vordergründig, die Spuren ihres Lebens subtil spürbar. Die Malerei von Lilla von Puttkamer handelt sich um das Wechselspiel von Abwesenheit und Gegenwärtigkeit der Dinge, um die Evokation einer bildnerisch nur angedeuteten Sache in der Phantasie des Betrachters.</p> <p>Kathrin Rank, Uta Reinhardt und Mirko Schallenberg betrachten die Malerei als Farbauftrag. Rank malt flächig-minimalistisch und eröffnet Bilderwelten, deren schattenhafter Blickfang von einzelnen Gegenständen, menschlichen Figuren oder Tieren gebildet wird. Objekte zeigen auch die Stilleben Uta Reinhardts: Auf unspektakulärem Terrain betont sie das Bedeutende und macht durch diesen Kontrast das Wesentliche sichtbar. Schallenbergs Stilleben hingegen zeigen mehrere Objekte oder Lebewesen, die überraschend wie auf einer Bühne angeordnet werden.</p> <p>Oliver Zabel und Michaele Brüll kreieren Objekte voller Ironie und Erotik. Zabel inszeniert Geschichten, indem er Alltagsgegenstände aus ihrem ursprünglichen Kontext reißt und sie neu komponiert. Er verführt die Phantasie des Betrachters durch das Unausgesprochene. Michaele Brülls Markenzeichen ist die Nylonstrumpfhose. Die Transparenz und die Dehnbarkeit des Materials verleihen ihren Objekten eine subtil-erotische Ironie.</p> <p>Die konstruktive Malerei ist formal die Verbindung zwischen Ellen Banks und Linda Bradford. Banks fügt mysteriöse, geometrische Zeichen in sinnlich-haptische Malgründe ein und übersetzt so musikalische Partituren. Sie macht Musik sichtbar und Malerei hörbar. Bradfords Giclée-Drucke hingegen zeigen geometrische Linien, die mit dem Auge des Betrachters spielen. Die Interaktion von Form, Volumen und Bewegung, kreiert durch die Variationen der verschiedenfarbigen Streifen, vermitteln die Wahrnehmung der Räumlichkeit. </p> <p>Gerne würden wir Sie zur Vernissage am Freitag, den 07.07.2006 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Weitere Information Alexandra Rockelmann <br /> Tel. 030 - 27 58 28 10</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/816 Exhibition: Oliver Zabel ARSENALE <div class="exhibition-subtitle"></div> <div class="exhibition-dates">April 27 - July 1, 2006</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, April 27, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/815"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/5/5418.jpeg" alt="" height="375" width="500" /></a> <p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>Oliver Zabel<br /> <span class="caps">ARSENALE</span><br /> Objekt-Assemblagen<br /> und Malerei</p> <p>27.April - 01.Juli 2006</p> <p>galerie <span class="caps">OPEN </span>freut sich, vom 27.04. bis zum 01.07.2006 die Arbeiten des Künstlers Oliver Zabel in der Ausstellung <span class="caps">ARSENALE </span>zu präsentieren. Die Eröffnung findet am 27.04.2006 statt.</p> <p>Oliver Zabel sammelt für seine Installationen und Objekte banale, scheinbar wertlose Gegenstände und bringt sie in neue Zusammenhänge.</p> <p>Fundstücke wie Mausefallen, Blechfrösche oder Schrauben ordnet er in Objektkästen zu neuen ästhetischen Einheiten und schafft so einen neuen, oft überraschenden Blick auf das Alltägliche.</p> <p>Die poetisch-ironischen Inszenierungen aktivieren die Phantasie des Betrachters und laden dazu ein, die vom Künstler angefangene ,,story", nicht selten der neu interpretierte Stoff eines Märchens, zu Ende zu denken.</p> <p>In seiner Malerei geht Oliver Zabel ähnliche Wege. Hier sind seine ,,objets trouvés" Grafiken, Karikaturen und Texte, die er in Enzyklopädien, Lexika und alten wissenschaftlichen Büchern findet. Er löst sie aus ihrem ursprünglichen semantischen Kontext und setzt sie scheinbar zufällig neu zusammen.</p> <p>Diese komplexen Bildgefüge schafft er mithilfe diverser Techniken, wie etwa der Frottage und der photographischen Vergrößerung.</p> <p>,,Wenn sich ein Regenschirm und eine Schreibmaschine auf einem Operationstisch treffen, dann wird das schon irgendeinen Grund haben - nur welchen - wenn Sie den nicht wissen, dann müssen Sie selbst entscheiden oder erfinden... <br /> So - und wenn Sie jetzt in diese wunderschön-skurrilen Kästen von Oliver Zabel gucken und nicht wissen, wie denn z.B. ein Stück Seife, Krokodilköpfe und ein Puppenhaupt zusammenkommen, ja dann sind Sie an der Reihe. Oliver Zabel wird's Ihnen nicht sagen." (Wolfgang Brosche)</p> <p>Zur Ausstellung erscheint die Vorzugsedition ,,VANITAS".</p> <p>Gerne würden wir Sie zur Vernissage am 27.04.2006 um 19 Uhr in unseren Räumen willkommen heißen. Einführende Worte: Dr. Angelika Euchner.</p> <p>Während der Ausstellung wird der Film über Oliver Zabel von Witold Adamczyk präsentiert. Weitere Information Alexandra Rockelmann. <br /> Tel. 030 - 27 58 28 10.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/815 Exhibition: Kathrin Rank AugenZeugen <div class="exhibition-subtitle">Malerei</div> <div class="exhibition-dates">November 24, 2005 - January 28, 2006</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, November 24, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/824"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/5/5528.jpeg" alt="gallery II - installation view" height="332" width="500" /></a> <p><p>gallery II - installation view</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"><p>galerie <span class="caps">OPEN </span>ist glücklich, die erste Solo Ausstellung von Kathrin Rank in der galerie <span class="caps">OPEN, </span>mit dem Titel AugenZeugen am 24. November 2005, zu annoucieren.</p> <p>Die galerie <span class="caps">OPEN </span>wurde am 15. September 2005 eröffnet und versucht auf der Fläche von 157 Quadratmetern zu vermitteln,dass das Verlangen Kunst zu kreieren "is the basic human urge, a trait of our species as natural as Language, sex, social interaction and agression." Die neun Künstler der galerie <span class="caps">OPEN </span>arbeiten und leben in Berlin oder New York. Berlin und New York sind zwei verschiedene Orte unterschiedlicher Prägung und Kultur. Die galerie <span class="caps">OPEN </span>will diesen zwei verschiedenen Kulturen und Ausrichtungen als Plattform dienen und in der Kunst eine gemeinsame Sprache finden.</p> <p>Die Bilder von Kathrin Rank bewegen sich auf der Grenzlinie von Gegenständlichkeit und Abstraktion. Sie vergegenständlichen auf der einen Seite die Farbflächen des Hintergrundes zum Innenraum eines Zimmers, zum Außenraum einer Häusersilhouette, zu einer Wasserfläche oder einen Sternenhimmel. Sie abstrahieren auf der anderen Seite die gemalten Figuren - die Menschen, Tiere und Gegenstände - zur zweidimensionalen Gestalt. Die Scharfen Schattenrisse lassen den am Strand liegenden und in den Nachthimmel schauenden Mann, die Seiltänzerin, die über einem unter ihr hinwegfliegenden Federball balanciert oder die zur herabfallende Sternschnuppe hinauffauchende Katze geisterhaft in den Vordergrund treten: sie tauchen wie das gute Gespenst aus einer anderen Welt aus jenen abstrakten Farbräumen auf. In der Spannung von abstrahierten Gegenständen und vergegenständlichten abstrakten Flächen erzählen die Bilder von Kathrin Rank Geschichten von denen seltenen Augenblicken des Glückes im Hier und Jetzt. Sie bannen den flüchtigen Moment in der abstrakten Form als ob sie uns mit mathematischer Strenge beweisen wollten: es gibt jenen Augenblick zu dem Du sagen kannst, verweile doch, wie bist Du schön.</p> <p>Wir hoffen, Sie zum <span class="caps">OPEN </span>ing der Ausstellung am Donnerstag, dem 24. November, 2005 von <br /> 19 - 22 Uhr begrüßen zu dürfen.</p> <p>Die Inhaberin Alexandra Rockelmann ist in Chicago geboren und Berlin aufgewachsen. Sie hat in Berlin, Florenz und den <span class="caps">USA </span>studiert und bis Feb. 2005 in Chelsea New York als Galerie Direktor gearbeitet. Berlin und New York zu verbinden war Ihr ein anliegen und somit hat Sie eine Galerie mit dem Namen <span class="caps">OPEN, </span>welches für Offenheit stehen soll der Kunst und des Betrachters gegenüber, eröffnet. Frau Rockelmann will mit der galerie <span class="caps">OPEN </span>einen play ground of art für Künstler, Kunst und Galeristin kreieren. Für weitere Informationen können Sie Frau Rockelmann unter 030 27 58 28 10 anrufen.</p></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/824 Exhibition: OPENing group show <div class="exhibition-subtitle">Künstler der galerie OPEN</div> <div class="exhibition-dates">September 15 - November 19, 2005</div> <div class="exhibition-opening">Opens Thursday, September 15, 7:00 PM - 10:00 PM</div> <br/> <a href="/exhibition/view/825"><img border="0" src="http://galerie-open.net/static/dyn-images/5/5530.jpeg" alt="main gallery - Peter Vogel, Mirko Schallenberg, Katherine Newbegin, Kathrin Rank" height="375" width="500" /></a> <p><p>main gallery - Peter Vogel, Mirko Schallenberg, Katherine Newbegin, Kathrin Rank</p></p> <br /> <div class="exhibition-description"></div> http://galerie-open.net/exhibition/view/825